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HAR7008 – Théories et méthodes de l’histoire de l’art: l’histoire de l’art à l’épreuve de l’interdisciplinarité
L’histoire de l’art à l’épreuve de l’interdisciplinarité
Une large majorité des projets doctoraux développés au sein du programme interuniversitaire de doctorat en histoire de l’art possèdent une forte dimension interdisciplinaire, tout comme le sont les recherches des professeur.e.s qui y enseignent régulièrement. Rarement cependant, interroge-t-on cet état de fait : l’interdisciplinarité, une évidence impensée? Ce séminaire invite les doctorantes et les doctorants à réfléchir à cette dimension fondamentale de notre discipline et des sciences humaines en général en interrogeant leur propre rapport à l’interdisciplinarité. En quoi est-elle féconde? Quelles difficultés rencontre-t-on lorsqu’on la pratique? Quels écueils doit-on éviter? Qu’est-ce qui fonde, finalement, l’unité de l’histoire de l’art dans la diversité de ses approches pluridisciplinaires et son caractère interdisciplinaire toujours plus marqué?
La réflexion sera menée sur deux plans. D’une part, par un retour sur la constitution de la discipline et son rapport aux autres domaines de la connaissance. On réfléchira notamment aux bouleversements qu’a connu le rapport entre art et science depuis la Renaissance jusqu’à l’époque contemporaine, la construction des disciplines et leur institutionnalisation, la question du langage et des techniques, les concepts d’ingéniosité et de bricolage (notamment chez Levi-Strauss), les critiques adressées à l’histoire de l’art interdisciplinaire, ou l’émergence de méthodologies nouvelles comme les études visuelles, la « Kunstwissenschaft » ou science de l’art (et dans son sillon, la «Bildwissenschaft ») ou, plus récemment, l’intermédialité. D’autre part, on s’interrogera sur ces questions à partir des propres travaux des doctorantes et des doctorants qui seront invité.e.s à réfléchir à – puis articuler – leur rapport pensé ou impensé au croisement des disciplines. Des professeures et professeurs du programme seront invité.e.s à venir exposer et discuter de leurs propres pratiques de l’interdisciplinarité.
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Block B
HAR 7005 – Problématisation du contexte artistique: Approches théoriques et critiques en histoire de l’art
Approches théoriques et critiques en histoire de l’art
Ce séminaire a pour objectif de permettre aux étudiant·es de développer leur projet de recherhe en lien avec la ou les approches théoriques et critiques qu’iels utiliseront dans leur thèse. Il vise ainsi à familiariser les étudiant·es avec (et/ou à approfondir leurs connaissances de) différentes approches théoriques et critiques en histoire de l’art, dont les théories féministes, 2SLGBTQIA+, postcoloniales et décoloniales, ainsi qu’aux études sur la race, le capacitisme, les animaux et l’environnement dans leur application à l’histoire de l’art et à l’analyse d’œuvres d’art ; nous étudierons également des concepts de base dans les approches liées aux études visuelles et à la culture matérielle. Les études proposées inclueront des textes fondamentaux de ces différentes approches théoriques et critiques, des textes en histoire de l’art adoptant ces différentes approches, ainsi que des œuvres d’art créées en lien avec celles-ci, afin de considérer les enjeux épistémologiques qu’iels soulèvent. L’objectif du séminaire est ainsi d’offrir à chaque étudiant·e la possibilité de réfléchir à ces différentes approches, à se positionner par rapport à celles-ci, et ainsi à avancer dans le développement de son propre cadre théorique.
Indicative bibliography
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ARTH803 – Questions thématiques: The Invention of the Indigiqueer: Gender, Sexuality and Performance
The Invention of the Indigiqueer : Gender, Sexuality and Performance
Indigenous knowledge(s) regarding non-binary gender and sexual identities have been with us since time immemorial. It is well documented among many Indigenous Nations that one’s gender was not solely determined by one’s biological sex. However, colonialism disrupted the transfer of this knowledge. The settler nation-state and its agents attempted to discipline the Indigenous body through legislation and violence, which had a profound impact on the transmission of these understandings. Since the 1990s Indigenous activism has sought to bring this knowledge into a contemporary context. First demarcated with the coining of the term Two-spirit, this movement was seen as being identity-based, but in its present context, the recovery of this knowledge has become associated with social justice and the Indigenous sovereignty movement.
Many Indigenous and non-Indigenous scholars have used disciplines such as anthropology and the literary arts to examine Indigenous non-binary genders, this course will take a fresh approach. We will examine how Indigenous artists have deployed their creative work in both historical and contemporary times to assert Indigenous kowledge(s) regarding gender and sexuality . As Leanne Betasamosake Simpson has noted, many of our contemporary acts of decolonization are concerned with “picking up the things we were forced to leave behind” (Dancing 50).
While Indigenous sovereignty remains a contentious issue, as it tends to focus on Nation to Nation relationships, the assertion of sovereignty is much more complex. We will contemplate these complexities through close readings of Indigenous scholars who consider how Indigenous nations assert their sovereignty along with Indigenous artists who have continued to manifest Indigenous values and philosophies through their art practices and production.
Bibliography
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Block A
ARTH809 – Théories et méthodes de l’histoire de l’art: Indigenous and Decolonial Theories and Methodologies for Art History in North America
Indigenous and Decolonial Theories and Methodologies for Art History in North America
Linda Tuhiwai Smith’s groundbreaking text Decolonizing Methodologies is concerned “not so much with the actual technique of selecting a method but much more with the context in which research problems are conceptualized and designed, and with the implications of research for its participants and their communities.” (2nd edition, 2012, p. ix). In this course we will explore decolonial and Indigenous approaches to theory and method as related to art history, visual culture, and research, in order for students to develop their understanding of key concepts and research practices. Drawing on “The Four R’s” as the foundational directions of Indigenous research – Respect, Relevance, Reciprocity, Responsibility – in this course we will not only study and articulate methodological strategies to produce meaningful research, we will also consider the ethical implications of research conducted by and with rather than on or for Indigenous nations and communities. We will examine both nation-specific and more broadly Indigenous and decolonial research protocols and practices, and specifically focus on:
• Indigenous and decolonial museological practices, such as consultation, collaboration, reciprocity, repatriation/ rematriation, and collecting activities;
• Indigenous and decolonial curatorial strategies, including haptic and sensorial exhibition practices, performativity, and community and/or public engagement;
• The interpretation of historic and contemporary Indigenous art through such frames as continuity and resurgence;
• Indigenous ways of knowing, ontologies and epistemologies, including such areas as kinship and relational aesthetics;
• The productive intersections and limitative borders of Indigenous, Western, and global postcolonial theories and methodologies for art history; and,
• Theories of settler responsibility for curatorial, pedagogical, and scholarly work in Indigenous arts, and best practices for non-Indigenous allies working in institutions that collect and/or display Indigenous arts.
Bibliography
The core course for this book will be the publication:
IGLOLIORTE, Heather and Carla Taunton (eds.) The Routledge Companion of Indigenous Art Histories in Canada and the United States. New York: Routledge (peer-reviewed, 250,000 words,forthcoming January 2022)
Additional sources will be drawn from:
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HARNEY, Elizabeth and PHILLIPS, Ruth. Mapping Modernisms: Art, Indigeneity, Colonialism. Durham: Duke University Press, 2018.
Block B
HAR915K – Problématisation du contexte artistique: Les échanges culturels en question : transferts, emprunts et appropriations
Les échanges culturels en question : transferts, emprunts et appropriations
Fritz Saxl, en référence au voyage d’Aby Warburg chez les Hopis, affirmait en 1930 que « le problème de l’échange entre les cultures » était la question primordiale que s’était posée toute sa vie le fondateur de la Kulturtwissenschaftlitche Bibliothek Warburg. Mais pour mener à bien ce projet gigantesque, Warburg, selon ses propres dires, « ne s’était pas laissé intimider ni terroriser par des frontières policières ». Ces frontières, celles de la nation allemande et de la discipline de l’histoire de l’art, sur lesquelles veillaient de nombreux historiens de l’art germaniques, en affirmant, par exemple, qu’Albrecht Dürer était un pur produit allemand qui ne devait absolument rien aux influences étrangères (malgré ses deux voyages décisifs en Italie). Ce débat sur l’ouverture et la fermeture des cultures n’était pas tout à fait nouveau dans la tradition allemande puisqu’on en trouve déjà les germes au XVIIIe siècle dans la querelle qui opposait Winckelmann et Herder au sujet de l’apparition, spontanée ou non, de l’art grec ancien.
La multiplication et l’internationalisation des échanges culturels dans la seconde moitié du XXe siècle ont relancé, sous un jour totalement nouveau, le débat sur les bienfaits de la communication entre les cultures. C’est ainsi qu’en 1971 l’anthropologue français Claude-Lévi Strauss défendait, à la tribune de l’UNESCO, un certain degré de surdité des cultures les unes par rapport aux autres dans le but de préserver leur diversité. Par un étonnant retour de balancier, c’est aujourd’hui la position de Warburg sur les Hopis qui est considérée comme « un cas d’école » du primitivisme européen. Les récents débats autour de l’appropriation culturelle ou de la restitution des œuvres conservées par les anciennes puissances coloniales, nous rappellent que les échanges culturels dans le domaine de l’art ne se font pas toujours sous le signe de l’humanisme et de la fraternité, mais sont souvent le reflet de rapports de domination et d’exploitation (dépossession, pillage, invisibilisation).
Ce séminaire a pour ambition d’examiner les soubassements politiques des échanges culturels dans le champ de l’histoire de l’art en se concentrant sur une série d’études de cas allant du XVIIIe siècle jusqu’à nos jours.
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Cancelled: HAR915L – Problématisation du contexte artistique: Exposer, collectionner, archiver la photographie à l’heure des studies
Exposer, collectionner, archiver la photographie à l’heure des studies
L’histoire de la photographie a été très largement dominée par des questions de légitimitation artistique, culturelle et institutionnelle. Prétendante au Salon des beaux-arts au XIXe siècle, fer de lance de la modernité artistique dans l’entre-deux-guerres, alliée de l’art conceptuel, voire égérie de la postmodernité artistique, l’« entrée en art » de la photographie aura été, du moins jusqu’aux années 1990, une véritable obsession historiographique. Depuis lors, les études photographiques se sont intéressées aux pratiques minorées par ce récit canonique – photographie vernaculaire et amateure, image de presse, archives photographiques, photographie de mode, animalière ou pornographique. Or quelles sont les retombées critiques de cette révision historiographique sur les pratiques muséales, patrimoniales, curatoriales, d’archivage ou populaires ?
Ce séminaire propose d’étudier les réformes épistémologiques et méthodologiques que la photographie invite aujourd’hui à mettre en œuvre. Comment décoloniser les archives photographiques institutionnelles ? Pourquoi patrimonialise-t-on les « images citoyennes » dans les musées commémoratifs (9/11 Memorial & Museum, New York) ? Que faire de ces fonds photographiques cédés aux institutions culturelles, alors que leurs légataires en conservent les droits d’exploitation exclusifs (collection Black Star, Ryerson Image Centre, Toronto) ? À quelles conditions montrer des photographies frappées d’opprobre par certains groupes ou communautés ? À l’heure de la massification des contenus visuels, quelles formes de visibilité les musées peuvent-ils encore donner aux images (« Le supermarché des images », Jeu de Paume, Paris, 2020) ? Quels sont les attributs conversationnels des images diffusées sur les réseaux sociaux ? La photographie nous permet-elle d’historicicer des phénomènes culturels actuels tels que les NFT (Non-Fungible Tokens) ? Ce séminaire entend ainsi mettre en exergue les fonctions critiques et les potentialités interprétatives de la photographie dans la culture visuelle contemporaine.
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