Automne 2020
ARTH809 : Art History and its Methodologies (Bloc A – Concordia)
Art History and its Methodologies
Materialities
“What art now has in its hands is the mutable stuff which need not arrive at a point of being finalized with respect to either time or space.” When the American artist Robert Morris wrote these words 50 years ago (in 1969), he was implying that artists shouldn’t try so hard to make perfectly finished objects, because it was much more interesting to embrace the lively, unstable, and unpredictable qualities of the material world – what he called “mutable stuff.” It would seem that the concerns of this mid-20th century artist have now been taken up by a wide cross-section of scholars and theorists, who now speak about the agency of objects and the vibrancy of matter.
And yet it must be acknowledged that questions about materiality, matter, objects, and things can come into focus according to various political, philosophical, aesthetic and disciplinary positions. The seminar will therefore bring together a selection of texts that have contributed to the evolving discourse about materiality in recent years, while also introducing some older readings, for genealogical reasons. We will examine Marxist concepts pertaining to historical materialism and commodities; theories of materiality and intercultural exchange; actor-network theory and the agency of the non-human actant; the “new materialism” that encompasses thingness, vibrant matter and object-oriented-ontology; Indigenous materially-based knowledge; eco-materialist approaches to entropy, waste and garbage. The seminar will also touch on more overtly aesthetic questions, concerning objecthood, the formless, and de-materialization, for instance.
Throughout the seminar we will consider how the theories and concepts being discussed might be relevant to to specific works of art, drawn from diverse historical periods. As well, students will be encouraged to develop some of these methodological/theoretical axes in relation to their own research projects.
ARTH804 : Writings on Art (Bloc B – Concordia)
Writings on Art
L’imaginaire utopique en art et architecture / The Utopian Imagination in Art and Architecture
Ce séminaire doctoral est structuré autour d’une série de discussions, historiques et critiques, autour du concept “d’utopie” et de comment celui-ci joua un rôle clé dans l’imaginaire européen et transatlantique durant la période moderne. En plus de lire le texte fondateur de Thomas More (1516), nous aurons aussi la chance d’explorer des textes précurseurs comme la République de Platon (c. 380 av. J-C) et d’autres sources primaires. Les premières rencontres (suivies par les présentations des étudiant-e-s) seront organisées autour de cas d’étude précis d’utopies sociales — visionnaires et/ou bâties — orientées vers le passé, le présent ou le futur. Au plan méthodologique, le séminaire mettra l’accent sur divers liens entre les utopies, les développements des médias de masse (notamment de la presse, puis des communications électroniques) et les transformations des pratiques artistiques et architecturales. Une attention particulière sera aussi portée aux riches dimensions religieuses sous-jacentes à la pensée utopique, notamment du côté des aspirations mystiques, messianiques et millénaristes de diverses communautés juives et chrétiennes. Nous étudierons également le rôle souvent problématique joué par les avant-gardes (artistiques, architecturales et urbanistiques) afin de promouvoir une série de transformations radicales de la société. Comment peut-on, à l’ère actuelle marquée par diverses crises, mieux rendre compte des tensions entre les visions utopistes soi-disant démocratiques et émancipatrices, et leur récupération idéologique par le totalitarisme, le colonialisme et l’ingénierie technocratique (ce que l’anthropologue James C. Scott nomma le “haut-modernisme autoritaire”)? Une relecture contemporaine du concept d’utopie peut-elle nous aider à repenser certains volets de l’histoire de l’art, de l’architecture et des médias?
This doctoral seminar is structured around a series of critical and historical discussions on the significance of the concept of “utopia” and how it has played a key role in both the religious and the secular imagination in Europe and the transatlantic world over the modern period. We will begin by looking critically at the foundational text Utopia by Thomas More (1516), as well as older works considered to be precursors, such as Plato’s Republic (c. 380 BC). Then, we will consider the various ways the concept of utopia may be connected, as Jürgen Habermas has argued, to various interpretations of religious scripture (more specifically “to the hope, familiar in Jewish and Protestant mysticism, of the ‘resurrection of fallen nature’”). We will also analyze the ways that artists, architects and city planners have attempted to develop comprehensive solutions, both formally and socio-economically, to address the perceived problems of modern societies. Each week (including student presentations) will be devoted to specific case studies of social utopias, built and/or unbuilt, oriented towards the past, the present or the future. Class discussions will attempt to draw up a critique of how such utopian visions, which purported to be democratic and emancipatory, have been ideologically coopted and compromised by socially destructive phenomena like totalitarianism, colonialism and what anthropologist James C. Scott has famously called “authoritarian high modernism.” Each student will be invited to pay particular attention to the mediation/dissemination of utopian thought through print culture (books, magazines) and more recent forms of digital technologies.
HAR915X : Questions thématiques (Bloc B – UQAM)
Questions thématiques
Pratiques artistiques et muséologiques d’action sociopolitique et d’intervention
Ce séminaire entend réfléchir au phénomène relativement récent de la prolifération de pratiques artistiques et muséales qui conjuguent l’art et la participation sociopolitique et l’art pour une meilleure santé mentale et physique des individus. Celles-ci se retrouvent dans les institutions culturelles et, bien souvent, dans des lieux non traditionnellement dédiés à l’art (la rue, les espaces communautaires, les milieux de soin, etc.). Ainsi, face à des problématiques culturelles, sociales, éducatives et liées à la santé de plus en plus complexe, plusieurs milieux se tournent vers le pouvoir innovant de l’art pour complémenter leurs façons de voir, de faire et d’intervenir. Ces pratiques, qui impliquent une relation à l’autre et un agir sur et dans la sphère sociale, favorisent la participation sociopolitique, le rétablissement, le mieux-être, la collaboration et l’inclusion sociale. Elles font écho à une mouvance internationale de démocratie culturelle et trouvent des résonnances dans les orientations gouvernementales qui tiennent maintenant compte du rôle social de plus en plus important dévolu à la culture.
Ce séminaire vise ainsi :
a) à comprendre les mutations dans la conception même du rôle social de l’art, dans les politiques culturelles et les programmes de financement;
b) à analyser des pratiques artistiques et muséologiques à teneur sociale et politique dans divers milieux et contextes – contours, forces, enjeux;
c) à saisir comment ces pratiques redéfinissent les rôles professionnels des divers intervenant.es dans le milieu de l’art, mais aussi à l’extérieur et forcent l’expérimentation dans les modèles mêmes de recherche (recherche-création, recherche-action, recherche-intervention, histoire de cas, approche narrative, arts-based research, etc.).
Hiver 2021
HAR 9202 : Théories et méthodes de l’histoire de l’art (Bloc A – UQAM)
Théories et méthodes de l’histoire de l’art
Écritures et horizons de l’histoire de l’art
La thématique veut inciter une réflexion sur des vecteurs métahistoriques qui contribuent à nos travaux, ou qui peuvent, du moins, avoir un impact sur les directions que vont prendre ceux-ci. Cette perspective est adoptée afin de permettre d’ouvrir dans un premier temps sur une série de textes (touchant à des démarches conceptuelles et méthodes de travail en histoire de l’art) qui sont à l’image des approches plurielles qui traversent la discipline (jusqu’à parfois l’indiscipliner).
On envisagera l’histoire de l’art en tant qu’un ensemble de récits parmi lesquels la thèse doctorale prend sa place ; thèse qui est l’horizon de nos travaux du point de vue de notre ancrage dans des traditions plus ou moins anciennes (ou encore de la distance que nous prenons vis-à-vis de ces traditions), traditions qui s’étudient et se décrivent à partir d’une articulation entre structures et stratégies narratives, philosophies de l’histoire et la motivation fondamentale que nous contribuons à la définition de nos parcours de recherche. La thèse devient un lieu d’affiliation complexe : avec les historiennes et historiens de l’art qui nous précèdent, avec les communautés de recherche auxquelles on s’identifie, aux structures langagières et visuelles à partir desquelles, dans toute leur historicité, nous avons à imaginer le parcours de la thèse doctorale.
Pour effectuer ce trajet, le séminaire privilégiera le croisement des préoccupations de recherche des participant. e. s avec deux axes d’interrogation : le premier, consacré à la formation des structures narratives que nous utilisons en en histoire de l’art s’articulant au deuxième, qui nous permettra de nous intéresser aux mutations que connaît la discipline sous l’impulsion de certaines démarches interdisciplinaires (ou même indisciplinaires) qui peuvent avoir des effets épistémologiques remarquables.
ARTH805 : Critical Examination of Artistic Context (Bloc B – Concordia)
Critical Examination of Artistic Context
Indigenous and Decolonial Theories and Methodologies for Art History
Linda Tuhiwai Smith’s groundbreaking text Decolonizing Methodologies is concerned “not so much with the actual technique of selecting a method but much more with the context in which research problems are conceptualized and designed, and with the implications of research for its participants and their communities.” (2nd edition, 2012, p. ix). In this course we will explore decolonial and Indigenous approaches to theory and method as related to art history, visual culture, and research, in order for students to develop their understanding of key concepts and research practices. Drawing on “The Four R’s” as the foundational directions of Indigenous research – Respect, Relevance, Reciprocity, Responsibility – in this course we will not only study and articulate methodological strategies to produce meaningful research, we will also consider the ethical implications of research conducted by and with rather than on or for Indigenous nations and communities. We will examine both nation-specific and more broadly Indigenous and decolonial research protocols and practices, covering such areas as:
• Art historical approaches to the writing of Indigenous art histories and about Indigenous visual culture, art and archives;
• Indigenous and decolonial museological practices, such as consultation, collaboration, reciprocity, repatriation/ rematriation, and collecting activities;
• Indigenous and decolonial curatorial strategies, including haptic and sensorial exhibition practices, performativity, and community and/or public engagement;
• The interpretation of historic and contemporary Indigenous art through such frames as continuity and resurgence;
• Indigenous ways of knowing, ontologies and epistemologies, including such areas as kinship and relational aesthetics;
• The productive intersections and limitative borders of Indigenous, Western, and global postcolonial theories and methodologies for art history; and,
• Theories of settler responsibility for curatorial, pedagogical, and scholarly work in Indigenous arts, and best practices for non-Indigenous allies working in institutions that collect and/or display Indigenous arts.
HAR 7002 : Questions thématique (Bloc B – UdeM)
Questions thématiques
Le « trans » en art actuel
Dans la décennie 1960, Lygia Clark et Hélio Oiticica produisaient des « trans-objets » qui changeaient selon le lieu de leur présentation. Clark et Oiticica envisageaient l’art comme une proposition qui peut faire sens à la fois au niveau local et international. Dans son ouvrage The Global Work of Art : World’s Fairs, Biennials, and the Aesthetics of Experience (2017), Caroline A. Jones retrace, chez ces artistes brésiliens, les origines de ce qu’elle nomme des « tactiques trans ». Prenant comme point de départ et d’inspiration le « trans » que Jones conceptualise, ce séminaire propose de pousser et d’élargir la réflexion sur les dynamiques de rupture, de transgression et de dépassement qui habitent et façonnent les pratiques artistiques actuelles. Le préfix « trans » désigne une multiplicité de processus de « mise en contact » (entre les cultures, entres les nations, entre les genres, entre les espèces, etc.) et renferme, par conséquent, une dynamique de transfert multidirectionnel, voire de transformation : de nouveaux objets/sujets apparaissent au fil de ces interactions, phénomène identifié et théorisé dans les années 1940 par l’anthropologue cubain Fernando Ortiz à travers sa notion de « transculturation ». Plus tard, Wolfgang Welsch (1999) développe la notion voisine de « transculturalité » et, ce faisant, le philosophe allemand dirige l’attention vers la double signification du préfix « trans » pour décrire à la fois des phénomènes qui se déploient « à travers » et « au-delà » (les cultures). En plus des processus « culturels » et « nationaux » que ce préfixe sert à caractériser, le « trans » décrit aussi de nos jours d’autres phénomènes à l’œuvre dans les contrées de l’art actuel qui se rapportent à l’abolition / l’effacement / l’interpénétration / l’enchevêtrement des frontières disciplinaires, institutionnelles, identitaires, spatiales (espaces physiques et virtuels), de savoirs ou de genres pour nous amener « à travers » et « au-delà » nos « containeurs » sociaux, idéologiques, politiques ou même biologiques. Cet état de fait entraine l’apparition d’une myriade de termes pour désigner la multiplicité de processus « trans » en cours : transdisciplinarité, transgénique, transfrontalier, transculturalité, transmédialité, transnational, trans-activisme, etc. L’art actuel est devenu un terrain où ces dynamiques sont en constante mouvance et expansion : que l’on songe aux artistes et aux commissaires d’exposition qui vivent et travaillent à la lisière de plusieurs disciplines, géographies, cultures, genres, identités, etc. À la lumière, entre autres, des études de genre(Halberstam ; Buttler), mémorielles (Assmann ; Erll), culturelles (Hall), transatlantiques (Salenius), médiatiques (Jenkins), postcoloniales (Appadurai ; Bhabha) et décoloniales (Mignolo ; Quijano), ainsi que de l’analyse d’études de cas précises et du phénomène de la mondialisation dans une ère post-numérique et post-Internet, il sera question dans ce séminaire d’explorer les manifestations, les limites en même temps que les possibilités des dynamiques « trans » qui traversent et caractérisent l’art actuel.
Automne 2019
HAR 9201 : Languages and historiographic and theoretical traditions (Bloc A)
Problématiques actuelles de l’histoire de l’art 1
Mercredis, de 9h30 à 12h30
UQAM, R-4215
Professeur : Itay Sapir
This seminar was taught in English.
This seminarhas two principal objectives: to facilitate the integration of new students into the doctoral program, and to allow candidates to develop their research project while considering the conceptual, critical, analytical, and organizational aspects that are foundational to a dissertation. The program for the 2019-20 academic year falls within this double perspective.
The aim of this seminar is to familiarize students with the different historiographic and theoretical traditions that are linked to the language of art historical scholarship. Montreal being at the crossroads of different intellectual and cultural traditions, we suggest studying not only francophone and anglophone traditions, but also Indigenous, Hispanic, German, and others. In an effort to avoid presenting the issues in a way that would be too restrictive and that might constrict them within a single tradition, we will consider the ways in which some art historians draw from different traditions, thus opening for each student the possibility of developing their own methodology. As students begin their PhDs, familiarization with these different intellectual traditions and their own positioning within them will be indispensable to them.
The fall term will focus on continental approaches.
HAR 7005 : Constructing Sacred Space / Construire l’espace sacré (Bloc B)
Problématisation du contexte artistique
Mardis, 9h00 – 12h00
Université de Montréal, Pavillon Lionel-Groulx, C-2117
Professeure : Kristine Tanton
Ce séminaire est bilingue. Il was taught in French and English.
Si la pratique de l’histoire de l’art a mis plus de temps que le champ de l’histoire à se dégager du récit évènementiel, il est possible que cela puisse être attribué au statut d’évènement que la discipline accorde à certaines œuvres jugées incontournables, lesquelles continuent d’alimenter le récit doxique d’une histoire autonome des arts. Mais parallèlement aux stratégies mises en place depuis plusieurs décennies pour renouveler la dimension historique de l’histoire de l’art, force est de constater que la notion même d’évènement a connu depuis une centaine d’années une migration épistémologique importante qui l’a fait passer du champ de l’histoire à celui des communications, en passant par la philosophie et la psychologie. À l’heure où chaque inscription à l’agenda ou dans les réseaux sociaux adopte le titre d’évènement, au moment où la vie culturelle comme la vie politique s’organisent autour de la fabrication d’évènements, il convient de nous demander : qu’est-ce qu’un évènement et quelles en sont les conditions et modalités d’apparition et de production au sein de la discipline de l’histoire, telle qu’elle s’incarne en deux têtes institutionnelles, l’université et le musée ?
Éléments bibliographiques
This seminar will explore the social, material, conceptual, and ritual processes related to constructions of sacred space over a broad temporal range (from the Middle Ages to present day). From medieval cathedrals and pilgrimage sites such as Jerusalem and Mecca to sacred landscape to exhibition spaces and the phenomenology of the sacred within the context of performance art. We will address the work of theorists such as Emile Durkheim, Henri Lefebvre, Michel de Certeau, Michel Foucault, J.Z. Smith, and Christopher Tilley. Some questions to explore: What are the dynamics among ritual, ritual objects, and sacred spaces? How do we reconcile prescriptive textual evidence with actual ritual performance? How can we locate the divine in the material world? What are the distinctions made between space and place and the relationship between sacred space as a physical thing or site and an area encompassing collective worship?
The seminar will be organized around six focal points:
- Concepts and Theories
- Nature
- Commemoration and Memorial Culture
- Monumentality and the Arts
- Contested Ground
- Fluid Types of Ritual Space
Colleagues from the program will be invited to share their work with the seminar.
Students are encouraged to develop individual projects based on specific case studies. The seminar is bilingual. The participants may express themselves freely in English or French for all presentations, class discussion, written work, and correspondence.
Ce séminaire explorera les processus sociaux, matériels, conceptuels et rituels liés à l’idée de construction de l’espace sacré du Moyen Âge à nos jours, des cathédrales médiévales et des lieux de pèlerinage tels que Jérusalem et la Mecque au paysage sacré, en passant par les espaces d’exposition et la phénoménologie du sacré dans le contexte de la performance. Nous aborderons le travail de théoriciens tels que Émile Durkheim, Henri Lefebvre, Michel de Certeau, Michel Foucault, J.Z. Smith et Christopher Tilley. Quelques questions qui seront explorées : quelle est la dynamique entre les objets, rituels et sacrés ? Comment concilier des preuves textuelles normatives avec des performances rituelles réelles ? Comment pouvons-nous localiser le divin dans le monde matériel ? Quelles sont les distinctions entre espace et lieu et la relation avec l’espace sacré en tant que chose physique ou site et une zone encadrant le culte collectif ?
Le séminaire sera organisé autour de six points focaux :
- Concepts et théories
- La nature
- Commémoration / Culture commémorative
- La monumentalité et les arts
- Terrain contesté
- Fluidité des types de l’espace rituel
Les collègues du programme seront invités à partager leurs travaux au cours du séminaire.
Les étudiant. e. s sont encouragés à développer des projets individuels basés sur des études de cas spécifiques. Le séminaire est bilingue. Les participant. e. s peuvent s’exprimer librement en anglais ou en français pour toutes les présentations, discussions en classe, travaux écrits et correspondance.
Hiver 2020
HAR700B : Langues et traditions historiographiques et théoriques (Bloc A)
Problématiques de l’histoire de l’art 2
Mercredis, 9h00 – 12h00
Université de Montréal, Pavillon Lionel-Groulx, C-2117
Professeure : Ersy Contogouris
Ce séminaire a été donné en français.
Ce séminaire a deux objectifs principaux : faciliter l’intégration des nouvelles étudiantes et des nouveaux étudiants dans le programme, et permettre aux candidat·e·s de développer leur projet de recherche en tenant compte des aspects conceptuels, critiques, analytiques et organisationnels à la base d’une thèse. Le programme que nous proposons pour ce séminaire s’inscrit dans cette double optique. Ce séminaire est indépendant du séminaire intégrateur donné à l’automne, mais peut être considéré comme son pendant.
La thématique proposée vise à familiariser les étudiant.e.s avec les différentes traditions historiographiques et théoriques liées à la langue d’étude de l’histoire de l’art. Si le séminaire donné à l’automne se penchera majoritairement sur des traditions francophones, celui-ci abordera majoritairement les traditions anglo-saxonnes. Cependant, Montréal se trouvant au carrefour de diverses traditions intellectuelles et culturelles, nous proposons nous pencher aussi sur d’autres traditions, notamment autochtones ou hispanophones. Dans un souci d’éviter de présenter les enjeux d’une façon trop restrictive qui cantonnerait les étudiant.e.s au sein d’une seule tradition, nous souhaitons considérer les façons dont certain.e.s historienn.e.s de l’art puisent dans différentes traditions, ouvrant ainsi à chacun.e la possibilité de développer sa propre méthodologie. Alors que les étudiant.e.s débutent leur doctorat, la familiarisation avec ces différentes traditions intellectuelles et leur positionnement à l’intérieur de celles-ci leur seront indispensables.
La session d’hiver sera axée sur les approches anglo-américaines et autochtones.
HAR912L : Modernité, Postmodernité, Hypermodernité: l’apport de l’architecture (Bloc B)
Questions thématiques
Les mardis, 14h00 – 17h00
NOTE: Ce séminaire a été annulé pour le semestre d’automne. Ceux.celles qui veulent suivre le cours en hiver doivent contacter le professeur.
UQAM, R-4215
Professeur : Louis Martin
L’hypermodernité d’une ère caractérisée par la culture numérique, la mondialisation, la crise de l’autonomie, l’hyperconsommation, le métissage des cultures et l’horizon du post-humain a-t-elle des répercussions sur la pensée artistique et architecturale d’aujourd’hui?
En tant que branche de l’art moderne, l’émergence de l’ « architecture moderne », au cours des années 1920, demeure l’emblème de l’adhésion de la culture architecturale de l’époque à la rationalité instrumentale et de son désir d’esthétiser la civilisation machiniste. Développés dans une tension entre les objectifs réformistes du mouvement moderne et la recherche d’un nouveau langage formel et ses thèmes de prédilection (espace, standardisation, industrialisation du bâtiment, transformation des villes et de la société) ont marqué plusieurs générations d’architectes au XXe siècle, avant d’être contestés, critiqués et en partie rejetés, dans le dernier quart du XXe siècle, au moment de la prise de conscience d’une nouvelle « condition postmoderne ».
Par sa critique radicale des grands récits fondateurs de sa modernité (progrès, utopie, esprit du temps), l’architecture a été projetée au cours des années 1980 à l’avant-scène des disciplines phares d’une postmodernité incertaine. À ce moment, le champ architectural fut partagé entre un retour à l’histoire et la poursuite du projet des avant-gardes historiques. Motivée par une volonté de réaffirmer son apport culturel, l’architecture s’est alors recentrée sur sa spécificité en tant que discipline du projet en lien avec son environnement et a été marquée par l’invention d’une théorie critique – nourrie de structuralisme et de poststructuralisme – conçue paradoxalement comme fondement interdisciplinaire à une autonomie disciplinaire.
Si la postmodernité architecturale a rompu symboliquement avec l’analogie machiniste de l’ « architecture moderne » en adoptant un nouveau paradigme dérivé de la linguistique structurale puis de la théorie poststructuraliste du texte, d’une part, et en valorisant une poétique réconciliatrice fondée sur l’hétérotopie et la phénoménologie, d’autre part, elle aura aussi été reconnue comme la phase esthétique du capitalisme postindustriel.
Alors que les liens que l’architecture actuelle tisse avec les autres champs seront examinés, le séminaire sera l’occasion de revoir l’héritage théorique de la modernité et de la postmodernité, et de penser la pertinence des thèmes liés à l’hypermodernité pour l’étude des arts visuels à partir d’études de cas menées par les participant.e.s.
HAR913E : La performativité en histoire de l’art : entre objet et immatérialité / Performativity in Art History : Between Object and Immateriality (Bloc B)
Genres, disciplines, styles artistiques
Jeudis, 14h00 – 17h00
UQAM, R-4215
Professeure : Barbara Clausen
Ce séminaire était bilingue. It was taught in French and English.
Depuis les années 1990, les pratiques performatives ainsi que conceptuelles – entre l’action direct, la trace matérielle et l’installation performative – ont connu une renaissance, ce qui soulève non seulement des questions sur la redéfinition de la performance comme un médium hybride et discursif, fondé sur le processus, mais aussi sur sa mise en scène, son itération, sa conservation et sa canonisation.
Ce séminaire permettra d’analyser et de discuter du potentiel et du caractère contingent des pratiques artistiques performatives, critiques, conceptuelles et relationnelles en art contemporain et actuel. L’objectif est de discuter des discours historiques et actuels qui nourrissent cette actualisation de la performativité en histoire de l’art, notamment de l’objectité et de la théatralité, du geste artistique et de l’indexicalité et de la mise en valeur de l’objet en art jusqu’à sa transformation immatérielle.
L’accent central sera mis sur la signification changeante de l’immédiateté, du directet de l’authenticité, notionsprésentes dans la société d’information actuelle, ainsi que sur l’écologie complexe qui définit la tension entre l’impact du geste, la perception du temps et la politique de l’espace, aussi bien dans le réel que dans le virtuel.
Since the 1990 conceptual and performance-based practices – ranging from direct actions, indexical traces to performative installations – have enjoyed an ongoing popularity in the arts. This renaissance of the performative raises numerous questions, not only on the re-definition of performance as a hybrid, discursive and process based practice but also on the significance of its various forms of staging, iterability, conservation and canonisation.
This seminar allows for an in depth analyses of the potential and contingent character of artistic practices that critically engage in the performative, the conceptual as well as the relational. The objective is to read and discuss a variety of past and present discourses that have and continue to nourish the rise of the performative in art history – such as: objecthood and theatricality, gesture and index, as well as the contingency and immateriality of the object. This also implies a close consideration of the changing significance of immediacy, presentness and authenticity within a rapidly advancing information society; and to investigate the complex ecologies that define the impact of a gesture, the perception of time and the politics of site specificity in the tension field of the real and virtual.
ARTH 801 : Somewhere between global and local (Bloc B)
Périodes et territoires
Mardis, 14h00-17h00
Université Concordia – EV 3.711
Professeure : Martha Langford
This seminar was taught in English.
It is a commonplace that nationalism as a suitable companion or container for art has been under review since the relationship first developed, neither “nation” nor “art” being particularly precise, transparent, or stable, concepts and both, as rallying points, being highly susceptible to, and productive of, propaganda and economic opportunity. Any drift in global politics, economics, or technology causes ripples in cultural activity; the seismic shifts since 1989 have had their effects as artists and art historians – citizens after all – have been struggling to redefine their fields of operation.
But if national art history is headed for the junkyard, its replacement has not yet arrived. A productive uncertainty prevails. The global project is periodically announced and maintained by interim solutions of reorientation and classification that never quite pan out. Both hegemonic history and counterhistory are in trouble, as Terry Smith justly observes: “Globalization has recently reached the limits of its hegemonic ambitions yet remains powerful in many domains. The decolonized have yet to transform the world in their image” (“The State of Art History,” Art Bulletin, December 2010, 379). Almost a decade later, and we are still just getting started. Words matter, and any convenient shortcuts threaten to perpetuate prejudicial divisions. “The first thing,” said Gayatri Chakravorty Spivak, in her 2017 keynote at the AICA (Association Internationale des Critiques d’Art) Congress in Paris, “The first thing is to stop thinking non-European.” Art history’s historiographical literature is shot through with speculation and paradox, which keeps the discussion lively, if sometimes disconnected. The big thinking that should be compatible with world-making sometimes falters before the scariness of the endgame – the prospect that real change, affecting more than curriculum and curatorial units, is taking place.
This seminar addresses the ongoing intra- and interdisciplinary debates over the legitimacy and function of national art histories, in relation to three factors: globalization, disciplinary redefinition, and methodological restlessness. It will make use of an edited collection, Narratives Unfolding: National Art Histories in an Unfinished World (2017) to extract and critically analyze the contributors’ methodologies, as applied to Canada, Egypt, Iceland, India, Ireland, Israel/Palestine, Romania, Scotland, Turkey, and the United Arab Emirates, as well as the so-called art cities, including Cairo, Dubai, New York, and Vancouver. These readings and other sources are intended to help members of the seminar to position their own research.
The “unfinished world” figured in the title of Narratives Unfolding is a plural concept: it captures the microscopic unit that is the field of art history today, as well as the macrocosm, a set of supranational conditions that elevate certain events of cultural practice, while abstracting them from place and time. On this phenomenon, we will pause and reflect, for however broad our perspectives, each of us is positioned “somewhere” between local and global, between the centre (as sensed) and all points imaginable. This seminar can be useful to any emerging art historian who wants to be reflexive about their place in the field, and in the world at large.
Automne 2018
HAR9201 Écritures et horizons de l’histoire de l’art: partie 1 de 2 (Bloc A – UQAM)
Horaire :
Mardi 14h00-17h00
Inscription :
Automne 2018 : Étudiant.e.s de l’UQAM, à votre département, les autres étudiant.e.s, via CREPUQ
Hiver 2019 : Étudiant.e.s de l’UQAM, à votre département, les autres étudiant.e.s, via CREPUQ
Lieu :
Automne 2018 : UQAM, Pavillon des sciences de la gestion, R-4240
Hiver 2019 : UQAM, Pavillon des sciences de la gestion, R-4240
Professeurs :
Dominic Hardy
Description
Le programme proposé pour le séminaire intégrateur en 2018-2019 s’inscrit en continuité avec les programmes des années précédentes. Ses objectifs premiers demeurent « l’intégration des nouvelles étudiantes et des nouveaux étudiants au sein du programme doctoral et le développement de leur projet de recherche principal ».
La thématique globale proposée pour l’année à venir est construite autour des écritures et horizons de l’histoire de l’art. Elle incite une réflexion sur des vecteurs métahistoriques qui contribuent à nos travaux, ou qui peuvent, du moins, avoir un impact sur les directions que vont prendre ceux-ci.
Cette perspective est adoptée afin de permettre d’ouvrir dans un premier temps sur une série de textes (touchant à des démarches conceptuelles et méthodes de travail en histoire de l’art) qui sont à l’image des approches plurielles qui traversent la discipline (jusqu’à l’indiscipliner parfois). On voudra en effet envisager l’histoire de l’art en tant qu’un ensemble de récits parmi lesquels la thèse doctorale prend sa place ; thèse qui est l’horizon de nos travaux du point de vue de notre ancrage dans des traditions plus ou moins anciennes (ou encore de la distance que nous prenons vis-à-vis de ces traditions), traditions qui s’étudient et se décrivent à partir d’une articulation entre structures et stratégies narratives, philosophies de l’histoire et la motivation fondamentale que nous attribuons à la définition de nos parcours de recherche. La thèse devient un lieu d’affiliation complexe : avec les historiennes et historiens de l’art qui nous précèdent, avec les communautés de recherche auxquelles on s’identifie, aux structures langagières et visuelles à partir desquelles, dans toute leur historicité, nous avons à imaginer le parcours de la thèse doctorale.
Pour effectuer ce trajet, le séminaire privilégiera le croisement des préoccupations de recherche des participant.e.s avec deux axes d’interrogation: le premier, consacré à la formation des structures narratives que nous utilisons en histoire de l’art, s’articulant au deuxième, qui nous permettra de nous intéresser aux mutations que connaît la discipline sous l’impulsion de certaines démarches interdisciplinaires (ou même indisciplinaires) qui peuvent avoir des effets épistémologiques remarquables.
Bibliographie préléminaire
Michael Baxandall, Formes de l’Intention. Sur l’explication historique des tableaux, trad. Catherine Fraixe, Nïmes, Éditions Jacqueline Chambon, 1991 (1985).
Stefan Berger et Chris Lorenz (sous la dir.), The Contexted Nation. Ethnicity, Class, Religion and Gender in National Histories, Basingstoke (Royaume-Uni) et New York, Palgrave Macmillan, 2008
Jonathan Crary, Suspensions of perception. Attention, Spectacle and Modern Culture, Cambridge (Etats-Unis) et Londres, MIT Press, 2001 (1999).
Whitney Davis, « Winckelmann divided : mourning the death of art history », Donald Preziosi (sous la dir.), The Art of Art History, Oxford et New York, Oxford University Press, 1998, p. 40-51.
Michel de Certeau, L’écriture de l’histoire, Paris, Gallimard, 2007 [1975].
Georges Didi-Huberman, L’image survivante. Histoire de l’art et temps des fantômes selon Aby Warburg, Paris, Éditions de minuit, 2002.
Monika Kin Gagnon et Richard Fung (sous la dir.), Territoires et trajectoires. 14 dialogues sur l’art et les constructions raciales, culturelles et identitaires, Montréal, Éditions Artextes/Prendre Parole, 2006, p. 133-150.
François Hartog, Régimes d’historicité. Présentisme et expériences du temps, Paris, Éditions du Seuil, coll. La librairie du XXIe siècle, 2003.
Kristina Huneault et Janice Anderson, Rethinking Professionalism. Women and Art in Canada 1850-1970, Montréal, McGill-Queens University Press, 2012.
Nicolai Koposov, De l’imagination historique, Paris, Éditions de l’EHESS, 2009.
Johanne Lamoureux, « Seeing through art history. Showing scars of legibilty », dans Donald Preziosi, In the Aftermath of Art. Ethics, Aesthetics, Politics, Londres et New York, Routledge, p. 131-154 .
Martha Langford (sous la dir.), Narratives unfolding. National histories in an unfinished world, Montréal et Kingston, McGill-Queens University Press, 2017, 454 p.
Richard Leeman (sous la dir.), Histoire et historiographie : l’art du second XXe siècle, Nanterre, Centre Pierre Francastel, 2008. p. 191-215.
Neil McWilliam, Constance Moréteau et Johanne Lamoureux (sous la dir.), Histoires sociales de l’art. Une anthologie critique (2 vols), Paris, Les presses du réel/INHA, 2016.
Eric Michaud, « L’image, matrice de l’histoire », L’histoire de l’art. Une discipline à ses frontières, Paris, Hazan, 2005.
W.J.T. Mitchell, Que veulent les images? Une critique de la culture visuelle, Paris, Presses du réel, 2014 [2004].
Krystof Pomian, Sur l’histoire, Paris, Gallimard, coll. Folio histoire, 1999.
Alex Potts, Flesh and the Ideal. Winckelmann and the Origins of Art History, New Haven et Londres, Yale University Press, 1994.
Donald Preziosi (sous la dir.), The Art of Art History : A Critical Anthology, Oxford et New York, Oxford University Press, 2009, 624p.
Paul Ricoeur, Temps et récit (3 vols.), Paris, Éditions du Seuil, coll. Points, s.d. [1983-1985].
Hayden White, Metahistory. The historical imagination in nineteenth-century Europe, Baltimore et Londres, Johns Hopkins University Press, 1973.
HAR7002 Vers une histoire de l’art numérique (Bloc B – Université de Montréal)
Horaire :
Mercredi 9h00-12h00
Premier séminaire: 12 septembre 2018
Lieu :
Université de Montréal, Pavillon Lionel-Groulx, C-2117
Inscription :
Étudiant.e.s de l’Université de Montréal, à votre département, les autres étudiant.e.s, via CREPUQ
Professeure :
Emmanuel Château-Dutier
Description
Que peut le numérique en histoire de l’art ?
Dans le rapport qu’elle a rendu à la fondation Mellon en 2012 sur les centres d’histoire de l’art et les humanités numériques, Diane Zorich soulignait l’ambivalence particulière de l’histoire de l’art à l’égard du numérique. À bien des égards, son propos fait écho à l’éditorial – plutôt désabusé – publié en 1992 par Jacques Thuillier en France dans la Revue de l’Art, au terme d’une première décennie d’expérimentations. C’était pour lui un échec, et cet échec était en premier lieu attribuable au manque d’intérêt manifesté par les historiens de l’art pour l’informatique. Pourtant notre discipline se trouve aujourd’hui dans une position très paradoxale. C’est probablement celle dont les objets d’étude ont le plus bénéficié, à travers le monde, d’une numérisation patrimoniale et d’une mise à disposition sur internet. Dans le même temps, l’histoire de l’art, tout du moins ses institutions universitaires, est relativement peu représentée dans le mouvement des Digital Humanities.
Une telle méfiance à l’égard du numérique est probablement en partie attribuable au caractère particulier des objets que l’on étudie. Elle reflète peut-être une défiance plus générale à l’égard de la reproduction technique des œuvres d’art, incapables de rendre l’ici et maintenant de l’œuvre si justement évoqué par Walter Benjamin. Mais elle n’explique pas tout. Les images ou les objets en trois dimensions sont aussi des objets plus difficiles à manier informatiquement que le texte. Non seulement leur nature visuelle, mais aussi leur dimension matérielle (sans évoquer même d’autres formes d’expressions) paraissent résister à la calculabilité et à l’analyse informatique.
Depuis quelques années, l’histoire de l’art manifeste en tant que discipline un intérêt de plus en plus marqué au potentiel transformateur des projets numériques. Une déclaration en 2014, suivie par le lancement de plusieurs écoles d’été sur le sujet aux États-Unis, puis la création d’une revue dédiée, et plus récemment la publication d’un livre blanc et l’organisation de diverses manifestations un peu partout témoignent d’une certaine effervescence.
Mais comme dans toutes les autres disciplines, pour qu’il y ait véritablement une histoire de l’art numérique, la question est surtout de savoir si le numérique renouvelle fondamentalement notre approche de l’art. S’il a des effets disruptifs sur nos méthodes et notre manière d’envisager les productions artistiques, c’est-à-dire de savoir s’il peut être à l’origine de réels changements épistémologiques.
▪ quel exemple suffisamment frappant citer sur lequel chacun puisse s’accorder quant au fait qu’il a changé le champ du point de vue de ses méthodes ou de ses implications théoriques ?
▪ peut-on se contenter d’outils qui nous permettraient seulement de faire plus vite, et plus simplement, avec des accès plus aisés, ce que l’on faisait précédemment ?
Ainsi, dans un article récent, Johanna Drucker s’interrogeait sur l’existence d’une histoire de l’art numérique, en distinguant une « histoire de l’art numérisée » qui ne serait qu’une histoire de l’art facilitée par le numérique, et une « histoire de l’art augmentée », proprement dit numérique qui tirerait parti d’analyses qu’autorisent aujourd’hui les techniques digitales. Cette stricte dichotomie présente peut-être l’inconvénient de trop négliger la pratique et les usages. Avec le numérique, ce sont non seulement les objets mais aussi les méthodes de l’histoire de l’art qui évoluent. La mise à disposition de larges ressources numérisées en ligne ainsi que les possibilités offertes par les outils numériques ouvrent de nouvelles voies pour la recherche et l’écriture. Partant de l’étude critique de divers projets achevés ou en cours, nous nous proposons d’essayer d’envisager ce que peut le numérique en histoire de l’art.
Bibliographie
Histoire de l’art numérique
Art History in Digital Dimensions. The White Paper. Digital Art History Lab Committee, Frick Art Reference Library, Stephen Bury, Ralph Baylor, Samantha Deutch, Sumitra Duncan, Julie Ludwig, Ellen Prokop and Louisa Wood Ruby, éds. 2017. dah-dimensions.org/wp-content/uploads/2017/03/Art-History-in-Digital-Dimensions-White-Paper.pdf
Bishop, Claire. “Against Digital Art History.” Humanities Future. Franklin Humanities Institute, 20 octobre 2015. https://humanitiesfutures.org/papers/digital-art-history/
College Art Association and the Society of Architectural Historians. “Guidelines for Evaluating Digital Scholarship in Art and Architectural History.” 2016 www.collegeart.org/pdf/evaluating-digital-scholarship-in-art-and-architectural-history.pdf
Battles Matthew, Michael Maizels “Collections and/of Data: Art History and the Art Museum in the DH Mode.” In Debates in Digital Humanities. The Expanded Field. Klein Lauren F et Gold Matthew, éds. 2016.
Bentkowska-Kafel Anna, Trish Cashen, et Hazel Gardiner. Digital Art History: A Subject in Transition. Bristol: Intellect, 2005.
Bentkowska-Kafel Anna, Hugh Denard, et Drew Baker, éds. Paradata and Transparency in Virtual Heritage. Digital Research in the Arts and Humanities. Burlington, VT: Ashgate, 2012.
Cohen Kathleen, et al. “Digital Culture and the Practices of Art and Art History.” The Art Bulletin 79, no. 2 (June 1, 1997): 187–216.
Crombez Thomas. “Digitizing Artist Periodicals: New Methodologies from the Digital Humanities for Analysing Artist Networks.” Art Libraries Journal 39 (4) (2014): 6–11.
Doulkaridou Elli. “Reframing Art History.” International Journal for Digital Art History* 1 (2015): 66-83.
Drucker Johanna. “Is There a ‘Digital’ Art History?” Visual Resources 29, no. 1/2 (2013): 5–13.
Drucker Johanna, Anne Helmreich, Matthew Lincoln et Francesca Rose. “Digital art history : la scène américaine”. Perspectives 2 (2015): 27-42. https://perspective.revues.org/6150
Fletcher, Pamela. “Pamela Fletcher. Essay on ‘Reflections on Digital Art History.’” Caa.reviews (June 2015). doi:10.3202/caa.reviews.2015.73.
“International Journal for Digital Art History.” International Journal for Digital Art History (2015-). www.dah-journal.org/
Manovich Lev. Data Science and Digital Art History. International journal of digital art history 1 (2015). dx.doi.org/10.11588/dah.2015.1.21631
Zorich, Diane M. Transitioning to a Digital World: Art History, Its Research Centers, and Digital Scholarship. Report to The Samuel H. Kress Foundation and The Roy Rosenzweig Center for History and New Media, George Mason University, (May 2012).
Zweig, Benjamin. “Forgotten Genealogies: Brief Reflections on the History of Digital Art History.” International journal of digital art history 1, (2015). dx.doi.org/10.11588/dah.2015.1.21633
Zurich Declaration on Digital Art History. 2014 www.khist.uzh.ch/chairs/neuzeit/res/conf/zuerich14b/ZurichDeclarationonDigitalArtHistory2014.pdf
Humanités numériques
A New Companion to Digital Humanities. Susan Schreibman, Ray Siemens, John Unsworth, éds. 2nd Edition. Wiley-Blackwell, 2016. ISBN: 978-1-118-68059-9
Burdick Anne, Johanna Drucker, Peter Lunenfeld, Todd Presner, Jeffrey Schnapp. Digital humanities. Cambridge Mas.: The MIT Press, 2012.
Hall Gary. “The Digital Humanities Beyond Computing: A Postscript.” Culture Machine 12 (2011). www.culturemachine.net/index.php/cm/article/viewDownloadInterstitial/441/471.
Debates in Digital Humanities. Gold Matthew, éd. 2012 dhdebates.gc.cuny.edu
Debates in Digital Humanities. The Expanded Field. Klein Lauren F et Gold Matthew, éds. 2016 dhdebates.gc.cuny.edu
ARTH805 Oral History as Interdisciplinary Method for the Arts (Bloc B – Concordia)
Horaire : variable (voir calendrier ci-bas)
Wednesday, Sept 5th, 1-4pm. Location: TBD, (3 hours)
Saturday, Sept. 15th, 10am-4pm. Location: TBD (6 hours)
Wednesday, Sept. 26th, 1-4pm. Location: TBD (3 hours)
Wednesday, October 10th – Saturday, October 13th – Oral History Association Conference. Attendance must include the ‘special’ events (6 hours) and 4 additional sessions (8 hours). Location: Various locations within Concordia and the surrounding neighbourhood – most sessions will take place in the Concordia Conference Centre (precise details tba). (14 hours) Please note that registration is required.
Saturday, November 24th, 10am-4pm. Location: TBD (6 hours)
Sunday, November 25th, 10am-4pm. Location: TBD (6 hours)
Wednesday, December 5th, 1-4pm. Location: COHDS (3 hours)
COHDS : Université Concordia, Center for Oral History & Digital Storytelling (COHDS), Library Building, LB 1019 (1400 boul. de Maisonneuve ouest)
Inscription :
Étudiant.e.s de Concordia, à votre département, les autres étudiant.e.s, via CREPUQ
Professeure :
Cynthia Hammond
Description
As the Oxford University Handbook of Oral History observes, “in the past sixty years, oral history has moved from the periphery to the mainstream of academic studies” (2011). This move has included, perhaps even been defined by, a growing sense in the last decade of the potential for oral history as a threshold between academic research and public engagement. The primary mode of that engagement has been the arts (High, Little, and Millar, 2017). As such, it is important to consider how the methods, opportunities, and ethics of oral history have intersected with the more familiar methods known to art and architectural history.
In October 2018, Concordia University and the Centre for Oral History and Digital Storytelling will host the annual meeting of the Oral History Association (OHA), the most important scholarly network dedicated to the practice of oral history. The theme of the 2018 meeting will be « Activism. » In addition to regular sessions and keynotes, the OHA’s visit will include locally- curated events and research-creation involving oral histories and life stories, designed to foreground Concordia’s innovation in these areas, and locate the conference at the intersection of multiple disciplines.
This event will therefore be an ideal opportunity for cross-disciplinary learning encounters at the graduate level. Drs Cynthia Hammond (Art History), Steven High (History), and Kathleen Vaughan (Art Education) propose to lead a collaboratively-taught seminar involving students from our respective programs, and from other graduate programs in the Faculty of Fine Arts and the Faculty of Arts & Sciences. This course will focus on oral history as a method, with particular attention paid to the intersections and discontinuities between public history, the built environment, the visual arts, and creative practices. Given the timing of the OHA conference, this course would ideally take the form of three intensive weekends over the term. During the first weekend, students will learn about theories and methods of oral history and their application to the disciplines/areas that the three professors represent. Considering Concordia’s location on unceded Mohawk territory, and the Centre’s 10-year engagement with difficult knowledge through the Montreal Life Stories project, our course will have special address to the ethics of oral history (shared authority, horizontality, inclusion, and transparency). During the second intensive weekend in October, students will attend the OHA conference to observe how oral history is in dialogue with interdisciplinary public practices and the arts, via session presentations and the related art events. In November, students will work to produce self-reflexive outcomes (texts, artworks, performances) that embody and critically engage their developing methodological and interdisciplinary understandings of oral history. We will encourage projects that pay particular attention to the students’ own thesis research/program goals. At the end of this same month, students will present their work in progress to the three professors and their cohort, gathering feedback and input. This session would take place during the third, final intensive weekend. Final papers would be due in December. The great benefit of this course to students is that it will provide concrete means to develop their ideas from theory, to practice, in response to a major international scholarly event, as well as develop an unusual sense of cohort in relation to students in two other graduate programs at Concordia. The Centre for Oral History will be the thematic home of the course, but my part of the pedagogy will be strongly anchored in art and architectural history.
Core texts
SANDINO, Linda and Matthew Partington, eds. Oral History in the Visual Arts. London: Bloomsbury, 2013.
GOSSEYE, Janina, Naomi Stead, and Deborah van der Plaat, eds. Speaking of Buildings: Oral History and Architecture. Forthcoming, Queensland University Press, 2018.
Bibliography
BUTLER, Toby and G. Miller. “Linked: A Landmark in Sound, a Public Walk of Art,” Cultural Geographies 12, 1 (2005), 77-88.
BUTLER, Toby. “Memoryscape: How Audio Walks Can Deepen Our Sense of Place by Integrating Art, Oral History and Cultural Geography,” Geography Compass 1, 3 (2007), 360-72.
CHARLTON, Thomas L., Lois E. Myers, and Rebecca Sharpless, eds. History of Oral History: Foundations and Methodology. Rowman Altamira, 2007.
CHRISTEN, Kimberly. “Does Information Really Want to Be Free? Indigenous Knowledge Systems and the Question of Openness,” International Journal of Communication 6 (2012).
HAMMOND, Cynthia and Shauna Janssen. “Points de vue: Contingency, Community, and the Postindustrial Turn.” FIELD 1.3 (2016), 7256 words. Online.
HAYDEN, Dolores. The Power of Place: Urban Landscapes as Public History. Cambridge, Mass., MIT Press, 1995.
HIGH, Steven, Ted Little, and Liz Millar, eds. Going Public: Participatory Approaches to Performance, Documentary, and Oral History. UBC Press, 2017.
HIGH, Steven. “Embodied Ways of Listening: Oral History, Genocide and the Audio Tour.” Anthropologica 55 (2013).
HIGH, Steven, “Mapping Memories of Displacement: Oral History, Memoryscapes and Mobile Methodologies”, in Shelley Trower, ed. Place, Writing and Voice in Oral History. (New York: Palgrave Macmillan, 2011).
LITTLE, Ted and Steven High. “Partners in Conversation: A Reflection on the Ethics and Emergent Method of Oral History Performance,” in David Dean, Yana Meerzon and Kathryn Prince, eds. History, Memory, Performance. New York: Palgrave Macmillan, 2014.
PATGET, Derek. “Acts of Commitment: Activist Arts, the Rehearsed Reading, and Documentary Theatre.” New Theatre Quarterly 26, 2 (2010): 173-93.
PORTELLI, Alessandro. “What Makes Oral History Different,” in Robert Perks and Alistair Thomson, eds. The Oral History Reader (Second Edition) (New York: Routledge, 2006), 32-42.
RITCHIE, Donald A., ed. The Oxford Handbook of Oral History. Oxford University Press, 2011.
SHEFTEL, Anna and Stacey Zembrzycki. “Only Human: A Reflection on the Ethical and Methodological Challenges of Working with ‘Difficult’ Stories.” Oral History Review 37, 2 (2010): 191-214.
TEBEAU, Mark. “Listening to the City: Oral History and Place in the Digital Era,” Oral History Review 40, 1 (2013), 25-35.
TURGEON, Laurier. “Du matériel à l’immateriel. Nouveaux défis, nouveaux enjeux.” Ethnologie française 40, 3 (2010): 389-99.
VALK, Anne and Holly Ewald. “Bringing a Hidden Pond to Public Attention: Increasing Impact through Digital Tools,” Oral History Review 40, 1 (2013), 8-24.
VAUGHAN, Kathleen, Emanuelle Dufour, and Cynthia Hammond. “The ‘Art’ of the Right to the City: Interdisciplinary teaching and learning in Pointe-St-Charles, Montreal.” “Education and the Community” – special issue of Learning Landscapes. Ed. Mary Stewart and Lynn Butler Kisber. 10.1 (Autumn 2016): 387-418.
ZEMBRZYCKI, Stacey. “Bringing Stories to Life: Using New Media to Disseminate and Critically Engage with Oral History Interviews,” Oral History 41, 1 (2013).
Hiver 2019
HAR9202 Écritures et horizons de l’histoire de l’art: partie 2 de 2 (Bloc A – UQAM)
Horaire :
Mardi 14h00-17h00
Inscription :
Automne 2018 : Étudiant.e.s de l’UQAM, à votre département, les autres étudiant.e.s, via CREPUQ
Hiver 2019 : Étudiant.e.s de l’UQAM, à votre département, les autres étudiant.e.s, via CREPUQ
Lieu :
Automne 2018 : UQAM, Pavillon des sciences de la gestion, R-4240
Hiver 2019 : UQAM, Pavillon des sciences de la gestion, R-4240
Professeurs :
Dominic Hardy
Description
Le programme proposé pour le séminaire intégrateur en 2018-2019 s’inscrit en continuité avec les programmes des années précédentes. Ses objectifs premiers demeurent « l’intégration des nouvelles étudiantes et des nouveaux étudiants au sein du programme doctoral et le développement de leur projet de recherche principal ».
La thématique globale proposée pour l’année à venir est construite autour des écritures et horizons de l’histoire de l’art. Elle incite une réflexion sur des vecteurs métahistoriques qui contribuent à nos travaux, ou qui peuvent, du moins, avoir un impact sur les directions que vont prendre ceux-ci.
Cette perspective est adoptée afin de permettre d’ouvrir dans un premier temps sur une série de textes (touchant à des démarches conceptuelles et méthodes de travail en histoire de l’art) qui sont à l’image des approches plurielles qui traversent la discipline (jusqu’à l’indiscipliner parfois). On voudra en effet envisager l’histoire de l’art en tant qu’un ensemble de récits parmi lesquels la thèse doctorale prend sa place ; thèse qui est l’horizon de nos travaux du point de vue de notre ancrage dans des traditions plus ou moins anciennes (ou encore de la distance que nous prenons vis-à-vis de ces traditions), traditions qui s’étudient et se décrivent à partir d’une articulation entre structures et stratégies narratives, philosophies de l’histoire et la motivation fondamentale que nous attribuons à la définition de nos parcours de recherche. La thèse devient un lieu d’affiliation complexe : avec les historiennes et historiens de l’art qui nous précèdent, avec les communautés de recherche auxquelles on s’identifie, aux structures langagières et visuelles à partir desquelles, dans toute leur historicité, nous avons à imaginer le parcours de la thèse doctorale.
Pour effectuer ce trajet, le séminaire privilégiera le croisement des préoccupations de recherche des participant.e.s avec deux axes d’interrogation: le premier, consacré à la formation des structures narratives que nous utilisons en histoire de l’art, s’articulant au deuxième, qui nous permettra de nous intéresser aux mutations que connaît la discipline sous l’impulsion de certaines démarches interdisciplinaires (ou même indisciplinaires) qui peuvent avoir des effets épistémologiques remarquables.
Bibliographie préléminaire
Michael Baxandall, Formes de l’Intention. Sur l’explication historique des tableaux, trad. Catherine Fraixe, Nïmes, Éditions Jacqueline Chambon, 1991 (1985).
Stefan Berger et Chris Lorenz (sous la dir.), The Contexted Nation. Ethnicity, Class, Religion and Gender in National Histories, Basingstoke (Royaume-Uni) et New York, Palgrave Macmillan, 2008
Jonathan Crary, Suspensions of perception. Attention, Spectacle and Modern Culture, Cambridge (Etats-Unis) et Londres, MIT Press, 2001 (1999).
Whitney Davis, « Winckelmann divided : mourning the death of art history », Donald Preziosi (sous la dir.), The Art of Art History, Oxford et New York, Oxford University Press, 1998, p. 40-51.
Michel de Certeau, L’écriture de l’histoire, Paris, Gallimard, 2007 [1975].
Georges Didi-Huberman, L’image survivante. Histoire de l’art et temps des fantômes selon Aby Warburg, Paris, Éditions de minuit, 2002.
Monika Kin Gagnon et Richard Fung (sous la dir.), Territoires et trajectoires. 14 dialogues sur l’art et les constructions raciales, culturelles et identitaires, Montréal, Éditions Artextes/Prendre Parole, 2006, p. 133-150.
François Hartog, Régimes d’historicité. Présentisme et expériences du temps, Paris, Éditions du Seuil, coll. La librairie du XXIe siècle, 2003.
Kristina Huneault et Janice Anderson, Rethinking Professionalism. Women and Art in Canada 1850-1970, Montréal, McGill-Queens University Press, 2012.
Nicolai Koposov, De l’imagination historique, Paris, Éditions de l’EHESS, 2009.
Johanne Lamoureux, « Seeing through art history. Showing scars of legibilty », dans Donald Preziosi, In the Aftermath of Art. Ethics, Aesthetics, Politics, Londres et New York, Routledge, p. 131-154 .
Martha Langford (sous la dir.), Narratives unfolding. National histories in an unfinished world, Montréal et Kingston, McGill-Queens University Press, 2017, 454 p.
Richard Leeman (sous la dir.), Histoire et historiographie : l’art du second XXe siècle, Nanterre, Centre Pierre Francastel, 2008. p. 191-215.
Neil McWilliam, Constance Moréteau et Johanne Lamoureux (sous la dir.), Histoires sociales de l’art. Une anthologie critique (2 vols), Paris, Les presses du réel/INHA, 2016.
Eric Michaud, « L’image, matrice de l’histoire », L’histoire de l’art. Une discipline à ses frontières, Paris, Hazan, 2005.
W.J.T. Mitchell, Que veulent les images? Une critique de la culture visuelle, Paris, Presses du réel, 2014 [2004].
Krystof Pomian, Sur l’histoire, Paris, Gallimard, coll. Folio histoire, 1999.
Alex Potts, Flesh and the Ideal. Winckelmann and the Origins of Art History, New Haven et Londres, Yale University Press, 1994.
Donald Preziosi (sous la dir.), The Art of Art History : A Critical Anthology, Oxford et New York, Oxford University Press, 2009, 624p.
Paul Ricoeur, Temps et récit (3 vols.), Paris, Éditions du Seuil, coll. Points, s.d. [1983-1985].
Hayden White, Metahistory. The historical imagination in nineteenth-century Europe, Baltimore et Londres, Johns Hopkins University Press, 1973.
HAR8001 Iconoclasmes (Bloc B – UQAM)
Horaire :
Mercredi 13h00-16h00
(Laval. NB : le séminaire se donne à l’UQAM)
Premier séminaire: 16 janvier 2019
***Le séminaire sera organisé de manière à permettre aux étudiants d’assister aux Conférences Hypothèses/The seminar will be organized in order to allow the students to assist to the Hypotheses Symposia***
Lieu :
UQAM, École des sciences de la gestion, R-4240
Inscription :
Étudiant.e.s de l’Université Laval, à votre département, les autres étudiant.e.s, via CREPUQ
Professeure :
Robert Marcoux
Description
Détruire une image est un geste aussi fort qu’ambivalent. Outre la diversité des motivations que cela présume, s’en prendre physiquement à une représentation ou un monument implique un rapport au registre iconique dont le spectre est des plus large, allant de l’idéologique à l’esthétique en passant par le magique. À partir de textes théoriques et d’études de cas, ce séminaire vise à interroger sur la longue durée les principes et finalités des iconoclasmes sous l’angle de l’agentivité des images, i.e. des pouvoirs réels, symboliques ou imaginaires qu’une société attribue à la figuration. Parcourant différentes cultures et périodes historiques depuis l’Antiquité jusqu’à aujourd’hui, les réflexions porteront tant sur l’iconoclasme byzantin et le wahhabisme que sur les différentes politiques de censure et damnatio memoriae, de même que sur des actes isolés comme celui de Mary Richardson.
Bibliographie
BESANÇON, Alain. L’image interdite. Une histoire intellectuelle de l’iconoclasme. Paris : Fayard, 1994.
CAMILLE, Michael. The Gothic Idol. Ideology and Image-making in Medieval Art. Cambridge : Cambridge University Press, 1989
DESCOLA, Philippe. Par-delà nature et culture. Paris : Gallimard, Bibliothèque des sciences humaines, 2005.
ELSNER, Jan. « Iconoclasm as Discourse: From Antiquity to Byzantium », Art Bulletin, Vol. 94, No. 3 (2012), p. 368-394.
FREEDBERG, David. Le pouvoir des images. Paris : G. Monfort, 1998.
GAMBONI, Dario. The Destruction of Art. Iconoclasm and Vandalism since the French Revolution. Londres : Reaktion Books, 1997.
GELL, Alfred. L’art et ses agents. Une théorie anthropologique. Dijon : Les Presses du réel, 2009.
GOODY, Jack. La peur des représentations. L’ambivalence à l’égard des images, du théâtre, de la fiction, des reliques et de la sexualité. Paris : La découverte, coll. « La Découverte/Poche », 2006.
Iconoclasme : vie et mort de l’image médiévale. Catalogue de l’exposition : Musée d’histoire de Berne, Musée de l’Oeuvre Notre-Dame, Musées de Strasbourg, sous la direction de Cécile DUPEUX et al. Paris : Somogy, 2001.
LATOUR, Bruno. Sur le culte moderne des dieux faitiches suivi de Iconoclash. Paris : La Découverte/Les Empêcheurs de penser en rond, 2009.
MITCHELL, W.J.T. Iconology. Image, text, ideology. Chicago: University of Chicago Press, 1986.
WIRTH, Jean. « Aspects modernes et contemporains de l’iconoclasme ». Historische Zeitschrift, New Series. vol. 33 (2002). p. 455-481.
HAR915H Les arts autochtones et les institutions culturelles au Canada (Bloc B – UQAM)
Horaire :
Jeudi 14h00-17h00
Premier séminaire: 17 janvier 2019
Lieu :
UQAM, Pavillon des Sciences de la gestion, local R-4215
Inscription :
Étudiant.e.s de l’UQAM, à votre département, les autres étudiant.e.s, via CREPUQ
Professeur :
Édith-Anne Pageot
Description
Conçu comme un espace d’échanges, de débats et de réflexions, ce séminaire propose une réflexion approfondie sur les notions d’appropriation, de colonialisme et de transfert culturel, mais aussi de résistance, de responsabilisation, de réappropriation et d’autonomisation dans le contexte multiculturel qui prévaut au Québec et au Canada. Il souhaite encourager chez les participants.es un processus autocritique propice au développement de méthodologies alternatives et de paradigmes inclusifs inspirés des postures décoloniales et féministes que défendent Jolene Rickard, Linda Tuhiwai Smith, Himani Bannerji et Gayatri Chakravorty Spivak, notamment. Nous nous pencherons plus précisément sur des évènements qui ont particulièrement marqué la diffusion et la médiation culturelle des arts autochtones au Canada au cours du 20e siècle. Seront étudiés dans leurs dimensions esthétiques, idéologiques, sociales et théoriques les discours critiques et les pratiques institutionnelles qui ont orienté les activités de collection, d’exposition, d’acquisition et de réception critique des corpus d’arts autochtones. À partir de l’étude d’épisodes notoires – Exhibition of Canadian West Coast Art, Native and Modern (Galerie Nationale du Canada, 1927), le Pavillon des Indiens du Canada (Expo 1967), la brève histoire du Collège Manitou (1973-1976), The Spirit Sings: Artistic Traditions of Canada’s First Peoples (Glenbow Museum, 1988), Indigena : Perspectives autochtones contemporaines (Musée canadien des civilisations, 1992), l’ouverture des nouvelles salles d’exposition d’art canadien et autochtone au Musée des Beaux-Arts du Canada (2003), entre autres – il s’agira d’analyser les valeurs et les paramètres qui ont façonné la fortune critique et le regard porté sur les œuvres des Premières Nations au Canada, à partir de 1927 jusqu’à aujourd’hui.
Ce parcours dans l’histoire récente au Québec et au Canada vise à donner une profondeur historique aux enjeux actuels touchant la médiation des arts autochtones tels que les définit la Commission sur la vérité et la réconciliation au Canada. Par ailleurs, la critique épistémologique de systèmes discursifs qui ont mené à l’exclusion des productions folks, artisanales ou « touristiques » et à la marginalisation de plusieurs créateurs et créatrices autochtones (et non autochtones) permettra aux candidats.es qui travaillent sur d’autres corpus ou d’autres régions géographiques d’ancrer leurs questions de recherche dans une perspective théorique large, au-delà des frontières nationales héritées des géographies coloniales.
Bibliographie
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Automne 2017
HAR9201/9202 Problématiques actuelles de histoire de l’art : Séminaire intégrateur – Art history and its methodologies: partie 1 de 2 (Bloc A – UQAM)
Horaire :
Mardi 15h00-18h00
Inscription :
Automne 2017 : Étudiant.e.s de l’UQAM, à votre département, les autres étudiant.e.s, via CREPUQ
Hiver 2018 : Étudiant.e.s de l’Université Concordia, à votre département, les autres étudiant.e.s, via CREPUQ
Lieu :
Automne 2017 : UQAM, Pavillon des sciences de la gestion, R-4215
Hiver 2018 : Université Concordia, EV 3-760
Professeurs :
Christina Contandriopoulos / Nicola Pezolet
Description
Le séminaire intégrateur réunit toutes et tous les étudiant.e.s admis.es au programme interuniversitaire dans l’année. Il est donné sur une année universitaire complète (septembre à avril), généralement sur un horaire de rencontres à toutes les deux semaines. Il est axé sur la thèse et ses composantes.
HISTOIRE DE L’ART ET ENVIRONNEMENT
L’histoire de l’art est, à plusieurs égards, indissociable de l’histoire de l’environnement. Ce séminaire propose de réfléchir aux mutations du concept d’environnement (compris au sens large du terme, incluant l’environnement naturel, architectural, urbain, religieux, sensoriel, médiatique et institutionnel) en analysant son rapport dialectique avec l’histoire de l’art. Les transformations des théories et des représentations du monde sensible seront analysées dans leur rapport à l’histoire de l’art, à la fois dans une perspective historique et critique. Il s’agit d’ouvrir une réflexion sur les différents modes d’interprétations de l’environnement qui sont offert par les pratiques artistiques et architecturales, ainsi que par l’analyse historique et les théories esthétiques.
Le séminaire intégrateur introduit les étudiant.e.s à la recherche avancée en histoire de l’art et aux différentes approches méthodologiques. Le premier objectif de ce séminaire consiste à intégrer les nouveaux étudiants du programme de doctorat interuniversitaire et à les accompagner dans l’élaboration de leur projet de recherche. Le séminaire sera structuré par l’étude et l’analyse critique de textes, tant des classiques que des études plus récentes. Au cours de la session d’automne, une sélection de textes clefs sera proposée pour ouvrir une réflexion sur les liens complexes entre l’histoire de l’art et la notion d’environnement. Les rencontres auront lieu chaque deux semaines autour d’un sous-thème afin d’encourager la discussion et la construction d’une base de textes théoriques commune. Les deux professeurs présenteront un texte fondateur dans leur propre cheminement intellectuel et académique. Quelques conférenciers invités, venant du programme doctoral interuniversitaire en histoire de l’art ou d’autres institutions montréalaises, participeront aux activités du groupe. Au cours de la session d’hiver, les étudiant.e.s seront invités à proposer des textes en lien avec leurs propres projets de recherche et à définir une problématique, des objectifs, un angle théorique et des approches méthodologiques.
Sous-thèmes qui seront abordés :
– Environnement naturel : esthétique du paysage ; écologie
– Environnement et pouvoir: contrôle de l’environnement ; représentations du territoire et cartographie ; colonisation et post-colonisation; art, conflits et science forensique
– Environnements artificiels : environnements médiatiques ; pratiques sonores ; atmosphère et immersion ; domesticité ; approches sensualistes; théories de la couleur ; œuvre d’art totale; synesthésie
– Environnements industriels : art et commercialisation ; métropole et modernité ; esthétique de la production ; fétichisme de la marchandise
– Environnement et mémoire : muséologies ; approches curatoriales ; historicisme; pratiques archivistiques ; approches patrimoniales ; conservation ; paysage humanisé
– Environnements sacrés : art, architecture et religion ; rites, pratiques et traditions ; liturgie
– Nouveaux environnements : art, architecture et anthropocène; météorologie ; utopies néo-environnementales
NB : La bibliographie ci-dessous est uniquement indicative et ne tient pas compte des lectures qui seront proposées par les étudiant.e.s et par les conférencier.ière.s invité.e.s. Notez aussi que plusieurs ouvrages sont listés dans leur langue originale de publication mais il existe des traductions.
Bibliographie (in progress)
ALPERS, Svetlana, The Art of Describing: Dutch Art in the Seventeenth Century, Chicago: University of Chicago Press, 1983.
BENJAMIN, Walter, The Arcades Project, Cambridge, Mass.: The Belknap Press, 1999.
BÖHME, Gernot, “Atmosphere as an Aesthetic Concept,” Daidalos 68 (June 1998): 112-115.
BONNEUIL C. et J-B., FRESSOZ, L’Evénement anthropocène, Paris : Le Seuil, 2013.
COLOMINA, Beatriz, Privacy and Publicity: Modern Architecture as Mass Media, Cambridge, Mass. : The MIT Press, 1996.
CORBIN, Alain, Le territoire du vide. L’Occident et le désir du rivage, 1750-1840, Paris: Aubier, 1988
DESCOLA, Philippe, Par delà nature et culture, Paris: Gallimard, 2005.
GARAUD, Colette Garaud, L’idée de nature dans l’art contemporain, Paris: Flammarion, 1994.
KOLBERT, Elizabeth, “Man in the Anthopocene,” in Field Notes from a Catastrophe: Man, Nature, and Climate Change, London: Bloomsbury, 2015.
KRAUSS, Rosalind, “Sculpture in the Expanded Field,” October 8 (Spring 1979): 30-44.
LATOUR, Bruno, Politiques de la nature. Comment faire entrer les sciences en démocratie, Paris: La Découverte/Armillaire, 1999.
MARIN, Louis, “Paysage : Arcadie,” “Phrase-nom, Fragment?, Épitaphe, Épigraphe?,” “La lettre, l’ombre, la clef,” in Détruire la peinture, Paris: Champs Flammarion, 1977.
McLUHAN, Marshall, Understanding Media, New York: Mentor, 1964.
MARTINET, Marie-Madeleine (ed.), Art et nature en Grande-Bretagne au XVIIIe siècle, Paris: Aubier 1980.
MORGAN, David, The Forge of Vision: A Visual History of Modern Christianity, Berkeley: University of California Press, 2015.
MORTON, Timothy, Ecology Without Nature: Rethinking Environmental Aesthetics, Cambridge, Mass.: Harvard University Press, 2007.
NYE, David E., American Technological Sublime, Cambridge, Mass.: The MIT Press, 1994.
PANOFSKY Erwin, “Et in Arcadia Ego : Poussin et la tradition élégiaque,” [1936], in L’oeuvre d’art et ses significations: Essais sur les ‘arts visuels’, Paris: Gallimard, 1969.
RABINOW, Paul, French Modern: Norms and Forms of the Social Environment, Chicago: University of Chicago Press, 1995.
SCHAMA Simon, Landscape and Memory, New York: A.A. Knopf, 1995.
TAFURI, Manfredo, Architecture and Utopia: Design and Capitalist Development, Cambridge, Mass. : The MIT Press, 1976.
TAYLOR, William, The Vital Landscape: Nature and the Built Environment in Nineteenth-Century Britain, Aldershot/Burlington: Ashgate, 2004.
TEYSSOT, Georges et Monique Mosser (eds.), Histoire des jardins. De la Renaissance à nos jours, ré-édition: Paris: Flammarion, 2002.
VERNANT, Jean-Pierre, “L’organisation de l’espace,” in Mythe et pensée chez les Grecs, Paris: Maspéro, 1965.
WEIZMAN, Eyal, À travers les murs: L’architecture de la nouvelle guerre urbaine, Paris: La Fabrique, 2008.
WILLIAMS, Rosalind, Notes on the Underground, Cambridge, Mass.: The MIT Press, 2008.
English version
Description
The Block A seminar – known as the séminaire intégrateur – is a required, year-long methodology course (Fall and Winter semesters) in which students from each of the four universities come together to discuss their doctoral research in a stimulating and collaborative environment.
ART HISTORY AND THE ENVIRONNEMENT
Art history is inextricably and dialectically linked to the history of the environment. This seminar seeks to reflect upon the numerous and varied mutations which have occurred, over a broad period of time, to the concept of environment, broadly conceived here to include the realms of the natural, architectural, urban, religious, sensorial, media and institutional. Making use of both critical and historical approaches, these shifting theories of representation will be shared and discussed in a round table format.
The integrative seminar will introduce students to advanced research in art history as well as various methodological approaches. The primary goals of this course are to help integrate incoming students within the inter-university PhD program in art history and to help them develop their thesis projects.
Seminars will often revolve around critical analysis and discussion of texts, which will include both foundational and emerging research. During the Fall term, a selection of texts will be proposed to initiate a collective dialogue on the relationship between art history and the environment. These texts will serve as a common theoretical foundation. Meetings will take place every two weeks and will be organized thematically. Both professors will present a key text that has shaped their research and thought during their intellectual and academic journey. Other professors from the interuniversity PhD program, or from other institutions, will be invited to join over the course of the year. In the Winter term, students will be asked to present key texts related to their own research projects and to outline a research question, the goals of their research and their methodological approach.
Key themes that will be considered include:
– Natural environments: landscape and aesthetics, ecology
– Environment and power: control of nature; representation of the territory and cartography; colonization and post-colonialism; art, conflicts and forensic science
– Artificial environments: mediascapes; sound practices; atmospheres and immersion; domesticity; sensorial studies; color theory/polychromy; total work of art; synaesthesia
– Industrial environments: art and commercialization; metropolis and modernity; aesthetics and production; commodity fetishism
– Environment and memory: museology; curatorial studies; historicism; archival practices; critical heritage studies; adaptive re-use; human made landscapes
– Sacred environments: devotional art, architecture and religion; rites, practices and traditions; liturgy
– Emerging environments: art, architecture and anthropocene; meteorology; neo-environmental utopias
Bibliography: see the given bibliography above in the French description of the course.
HAR7002 Réinterpréter le passé, la mémoire, les héritages (Bloc B – Université de Montréal)
Horaire :
Mercredi 9h00-12h00
Lieu :
Université de Montréal, Pavillon Lionel-Groulx, C-2117
Inscription :
Étudiant.e.s de l’Université de Montréal, à votre département, les autres étudiant.e.s, via CREPUQ
Professeure :
Louise Vigneault
Description
Ce séminaire propose de réfléchir sur la manière dont les données historiques, les héritages collectifs et les constructions culturelles se trouvent réinvestis à travers les productions artistiques. À l’heure actuelle, la relation que les communautés autochtone, migrantes, minoritaires, entretiennent avec leur mémoire historique et culturelle, et la manière dont les artistes s’appliquent à les réactualiser, à les réinterpréter et à les transmettre, offrent un champ de réflexions sur les modalités de transferts entre le passé et le présent, et sur les stratégies de transformation des bagages mémoriels. Comment s’articule la mémoire des langages, des territoires, des différents ancrages culturels ? Quelles relations certains créateurs entretiennent-ils avec les mémoires douloureuses ? Comment les constructions mythologiques arrivent-elles à résoudre les tensions sociopolitiques et les contradictions au sein des projets collectifs ? Comment les artistes y participent-ils directement ou arrivent-ils, au contraire, à les démanteler ? Comment gèrent-ils les héritages culturels multiples, voire conflictuels ? Comment les différentes dimensions de la mémoire s’articulent-elles et se trouvent concrétisées à travers les langages visuels ? Cette étude pose également la question de l’oubli, du refoulement, des non-dits, de la manipulation de la mémoire, de l’invention de modèles représentationnels à des fins d’unification et de pérennisation. Le séminaire sera donc l’occasion de soulever ces questions en regard des moyens plastiques et performatifs mis en forme par les artistes pour repenser ponctuellement les différents héritages.
Bibliographie
BAUSSANT, Michèle, Du vrai au juste: La mémoire, l’histoire et l’oubli. Québec : CELAT, PUL, 2006.
BLÜMLINGER, Christa et al., Théâtres de la mémoire: mouvement des images. Paris : Presses Sorbonne Nouvelle, 2013.
BOUCHARD, Gérard, Raison et contradiction. Le mythe au secours de la pensée. Québec : Nota bene/CEFAN, 2003.
BOUCHARD, Gérard, Raison et déraison du mythe. Au cœur des imaginaires collectifs. Montréal : Boréal, 2014.
DAHAN-GAIDA, Laurence, Dynamiques de la mémoire: arts, savoirs, histoire. Besançon : Presses Universitaire de Franche-Comté, 2010.
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DORAIS, Louis-Jacques, Être huron, inuit, francophone, vietnamien… Propos sur la langue et sur l’identité. Montréal : Liber, 2010.
GIRONDE, Michel (dir.), Les mémoires de la violence: littérature, peinture, photographie, cinéma. Paris: L’Harmattan, 2009.
HARTOG, François, Régimes d’historicité: présentisme et expériences du temps. Paris : Points, 2012.
KEATING, N. B., Iroquois Art, Power, and History. Norman: University of Oklahoma Press, 2012.
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TRAVERSO, Enzo, Le passé, mode d’emplois: Histoire, mémoire, politique. Paris : Fabrique, 2005.
VILLENEUVE, Johanne, Brian Neville, Claude Dionne (dir.), La mémoire des déchets: essais sur la culture et la valeur du passé. Québec : Nota Bene, 2009.
ARTH805 What Do We Owe the Object ? (Bloc B – Concordia)
Horaire :
Jeudi 14h00-17h00
Lieu :
Université Concordia, EV 3.760
Inscription :
Étudiant.e.s de Concordia, à votre département, les autres étudiant.e.s, via CREPUQ
Professeure :
Martha Langford
Description
In 1979, Rosalind Krauss wrote the following: “it is obvious that the logic of the space of postmodernist practice is no longer organized around the definition of a given medium on the grounds of material, or, for that matter, the perception of material. It is organized instead through the universe of terms that are felt to be in opposition within a cultural situation.” (“Sculpture in the Expanded Field,” October 8). Krauss is but one, among hundreds of theorists, rounded up in Martin Jay’s Downcast Eyes (1993), an exhaustive survey of the legacy of 20th-century French thought on the “loss of confidence” (588) in visuality, its subordination to other senses and systems of knowledge. The seminar will reopen this discussion, canvassing both the losses and the gains. We know, for example, that understanding perception as tinted by memory and imagination has expanded our readings of visual art, while admitting factors that may seem, at a glance, to obscure, or even displace, the object. Perceptual errors, sometimes exploited as productive slips, creep into the discourse. Conventional approaches, such as iconography or intentionality, are deemed limiting within an unbounded, interdisciplinary critical field. The situation is liberating, though the nagging question remains: as historians, theorists, and teachers, what do we owe the object? Are critical currents of creative, reflexive analysis running roughshod over our objects of desire? Simply put, is there anything left of the thing itself?
The seminar is based on a cluster of historiographical and philosophical problems, some to be introduced by guest speakers, others arising from the assigned readings. Readings are organized in dense clusters. In both instances, participants are encouraged to seek solutions to their particular research problems through exploratory discussions and presentations.
Bibliographie
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MILLER, Daniel, “Stone Age or Plastic Age,” Archaeological Dialogues 14:1 (2007): 23-27.
MITCHELL, W.J.T., “What Do Pictures ‘Really’ Want?” October 77 (Summer, 1996): 71-82.
NILSSON, Björn, “An Archaeology of Material Stories. Diorama as Illustration and the Desire of a Thingless Archaeology,” Archaeological Dialogues 14:1 (2007): 27-30
PINNEY, Christopher, “The Prosthetic Eye: Photography as Cure and Poison,” Journal of the Royal Anthropological Institute (2008): 33-46.
SCHWENGER, Peter, “Writing Hypnagogia,” in Critical Inquiry 34 (Spring 2008): 423-39.
SHAPIRO, Gary, “The Absent Image: Exphrasis and the ‘Infinite Relation’ of Translation,” Journal of Visual Culture 6:1 (April 2007), 13-24.
SHIFF, Richard, “Cézanne’s Physicality: The Politics of Touch,” in Salim Kemal and Ivan Gaskell, The Language of Art History. Cambridge: Cambridge University Press, 1991, 129-80.
TILLEY, Christopher, “Materiality in Materials,” Archaeological Dialogues 14:1 (2007): 16-20.
VENTURI, Robert. « Complexity and Contradiction in Architecture » (1966) in A. Krista Sykes, ed. The Architecture Reader: Essential Writings from Vitruvius to the Present. New York: G. Braziller, 2007, 188-197.
WOLLHEIM, Richard, “Correspondence, Projective Properties, and Expression in the Arts,” in Salim Kemal and Ivan Gaskell, The Language of Art History. Cambridge: Cambridge University Press, 1991, 51-66.
Hiver 2018
ARTH810 Problématiques actuelles de histoire de l’art: Séminaire intégrateur – Art history and its methodologies: partie 2 de 2 (Bloc A – Concordia)
Horaire :
Mardi 15h00-18h00
Inscription :
Automne 2017 : Étudiant.e.s de l’UQAM, à votre département, les autres étudiant.e.s, via CREPUQ
Hiver 2018 : Étudiant.e.s de l’Université Concordia, à votre département, les autres étudiant.e.s, via CREPUQ
Lieu :
Automne 2017 : UQAM, Pavillon des sciences de la gestion, R-4215
Hiver 2018 : Université Concordia, EV 3-760
Professeurs :
Christina Contandriopoulos / Nicola Pezolet
Description
Le séminaire intégrateur réunit toutes et tous les étudiant.e.s admis.es au programme interuniversitaire dans l’année. Il est donné sur une année universitaire complète (septembre à avril), généralement sur un horaire de rencontres à toutes les deux semaines. Il est axé sur la thèse et ses composantes.
HISTOIRE DE L’ART ET ENVIRONNEMENT
L’histoire de l’art est, à plusieurs égards, indissociable de l’histoire de l’environnement. Ce séminaire propose de réfléchir aux mutations du concept d’environnement (compris au sens large du terme, incluant l’environnement naturel, architectural, urbain, religieux, sensoriel, médiatique et institutionnel) en analysant son rapport dialectique avec l’histoire de l’art. Les transformations des théories et des représentations du monde sensible seront analysées dans leur rapport à l’histoire de l’art, à la fois dans une perspective historique et critique. Il s’agit d’ouvrir une réflexion sur les différents modes d’interprétations de l’environnement qui sont offert par les pratiques artistiques et architecturales, ainsi que par l’analyse historique et les théories esthétiques.
Le séminaire intégrateur introduit les étudiant.e.s à la recherche avancée en histoire de l’art et aux différentes approches méthodologiques. Le premier objectif de ce séminaire consiste à intégrer les nouveaux étudiants du programme de doctorat interuniversitaire et à les accompagner dans l’élaboration de leur projet de recherche. Le séminaire sera structuré par l’étude et l’analyse critique de textes, tant des classiques que des études plus récentes. Au cours de la session d’automne, une sélection de textes clefs sera proposée pour ouvrir une réflexion sur les liens complexes entre l’histoire de l’art et la notion d’environnement. Les rencontres auront lieu chaque deux semaines autour d’un sous-thème afin d’encourager la discussion et la construction d’une base de textes théoriques commune. Les deux professeurs présenteront un texte fondateur dans leur propre cheminement intellectuel et académique. Quelques conférenciers invités, venant du programme doctoral interuniversitaire en histoire de l’art ou d’autres institutions montréalaises, participeront aux activités du groupe. Au cours de la session d’hiver, les étudiant.e.s seront invités à proposer des textes en lien avec leurs propres projets de recherche et à définir une problématique, des objectifs, un angle théorique et des approches méthodologiques.
Sous-thèmes qui seront abordés :
– Environnement naturel : esthétique du paysage ; écologie
– Environnement et pouvoir: contrôle de l’environnement ; représentations du territoire et cartographie ; colonisation et post-colonisation; art, conflits et science forensique
– Environnements artificiels : environnements médiatiques ; pratiques sonores ; atmosphère et immersion ; domesticité ; approches sensualistes; théories de la couleur ; œuvre d’art totale; synesthésie
– Environnements industriels : art et commercialisation ; métropole et modernité ; esthétique de la production ; fétichisme de la marchandise
– Environnement et mémoire : muséologies ; approches curatoriales ; historicisme; pratiques archivistiques ; approches patrimoniales ; conservation ; paysage humanisé
– Environnements sacrés : art, architecture et religion ; rites, pratiques et traditions ; liturgie
– Nouveaux environnements : art, architecture et anthropocène; météorologie ; utopies néo-environnementales
NB : La bibliographie ci-dessous est uniquement indicative et ne tient pas compte des lectures qui seront proposées par les étudiant.e.s et par les conférencier.ière.s invité.e.s. Notez aussi que plusieurs ouvrages sont listés dans leur langue originale de publication mais il existe des traductions.
Bibliographie (in progress)
ALPERS, Svetlana, The Art of Describing: Dutch Art in the Seventeenth Century, Chicago: University of Chicago Press, 1983.
BENJAMIN, Walter, The Arcades Project, Cambridge, Mass.: The Belknap Press, 1999.
BÖHME, Gernot, “Atmosphere as an Aesthetic Concept,” Daidalos 68 (June 1998): 112-115.
BONNEUIL C. et J-B., FRESSOZ, L’Evénement anthropocène, Paris : Le Seuil, 2013.
COLOMINA, Beatriz, Privacy and Publicity: Modern Architecture as Mass Media, Cambridge, Mass. : The MIT Press, 1996.
CORBIN, Alain, Le territoire du vide. L’Occident et le désir du rivage, 1750-1840, Paris: Aubier, 1988
DESCOLA, Philippe, Par delà nature et culture, Paris: Gallimard, 2005.
GARAUD, Colette Garaud, L’idée de nature dans l’art contemporain, Paris: Flammarion, 1994.
KOLBERT, Elizabeth, “Man in the Anthopocene,” in Field Notes from a Catastrophe: Man, Nature, and Climate Change, London: Bloomsbury, 2015.
KRAUSS, Rosalind, “Sculpture in the Expanded Field,” October 8 (Spring 1979): 30-44.
LATOUR, Bruno, Politiques de la nature. Comment faire entrer les sciences en démocratie, Paris: La Découverte/Armillaire, 1999.
MARIN, Louis, “Paysage : Arcadie,” “Phrase-nom, Fragment?, Épitaphe, Épigraphe?,” “La lettre, l’ombre, la clef,” in Détruire la peinture, Paris: Champs Flammarion, 1977.
McLUHAN, Marshall, Understanding Media, New York: Mentor, 1964.
MARTINET, Marie-Madeleine (ed.), Art et nature en Grande-Bretagne au XVIIIe siècle, Paris: Aubier 1980.
MORGAN, David, The Forge of Vision: A Visual History of Modern Christianity, Berkeley: University of California Press, 2015.
MORTON, Timothy, Ecology Without Nature: Rethinking Environmental Aesthetics, Cambridge, Mass.: Harvard University Press, 2007.
NYE, David E., American Technological Sublime, Cambridge, Mass.: The MIT Press, 1994.
PANOFSKY Erwin, “Et in Arcadia Ego : Poussin et la tradition élégiaque,” [1936], in L’oeuvre d’art et ses significations: Essais sur les ‘arts visuels’, Paris: Gallimard, 1969.
RABINOW, Paul, French Modern: Norms and Forms of the Social Environment, Chicago: University of Chicago Press, 1995.
SCHAMA Simon, Landscape and Memory, New York: A.A. Knopf, 1995.
TAFURI, Manfredo, Architecture and Utopia: Design and Capitalist Development, Cambridge, Mass. : The MIT Press, 1976.
TAYLOR, William, The Vital Landscape: Nature and the Built Environment in Nineteenth-Century Britain, Aldershot/Burlington: Ashgate, 2004.
TEYSSOT, Georges et Monique Mosser (eds.), Histoire des jardins. De la Renaissance à nos jours, ré-édition: Paris: Flammarion, 2002.
VERNANT, Jean-Pierre, “L’organisation de l’espace,” in Mythe et pensée chez les Grecs, Paris: Maspéro, 1965.
WEIZMAN, Eyal, À travers les murs: L’architecture de la nouvelle guerre urbaine, Paris: La Fabrique, 2008.
WILLIAMS, Rosalind, Notes on the Underground, Cambridge, Mass.: The MIT Press, 2008.
English version
Description
The Block A seminar – known as the séminaire intégrateur – is a required, year-long methodology course (Fall and Winter semesters) in which students from each of the four universities come together to discuss their doctoral research in a stimulating and collaborative environment.
ART HISTORY AND THE ENVIRONNEMENT
Art history is inextricably and dialectically linked to the history of the environment. This seminar seeks to reflect upon the numerous and varied mutations which have occurred, over a broad period of time, to the concept of environment, broadly conceived here to include the realms of the natural, architectural, urban, religious, sensorial, media and institutional. Making use of both critical and historical approaches, these shifting theories of representation will be shared and discussed in a round table format.
The integrative seminar will introduce students to advanced research in art history as well as various methodological approaches. The primary goals of this course are to help integrate incoming students within the inter-university PhD program in art history and to help them develop their thesis projects.
Seminars will often revolve around critical analysis and discussion of texts, which will include both foundational and emerging research. During the Fall term, a selection of texts will be proposed to initiate a collective dialogue on the relationship between art history and the environment. These texts will serve as a common theoretical foundation. Meetings will take place every two weeks and will be organized thematically. Both professors will present a key text that has shaped their research and thought during their intellectual and academic journey. Other professors from the interuniversity PhD program, or from other institutions, will be invited to join over the course of the year. In the Winter term, students will be asked to present key texts related to their own research projects and to outline a research question, the goals of their research and their methodological approach.
Key themes that will be considered include:
– Natural environments: landscape and aesthetics, ecology
– Environment and power: control of nature; representation of the territory and cartography; colonization and post-colonialism; art, conflicts and forensic science
– Artificial environments: mediascapes; sound practices; atmospheres and immersion; domesticity; sensorial studies; color theory/polychromy; total work of art; synaesthesia
– Industrial environments: art and commercialization; metropolis and modernity; aesthetics and production; commodity fetishism
– Environment and memory: museology; curatorial studies; historicism; archival practices; critical heritage studies; adaptive re-use; human made landscapes
– Sacred environments: devotional art, architecture and religion; rites, practices and traditions; liturgy
– Emerging environments: art, architecture and anthropocene; meteorology; neo-environmental utopias
Bibliography: see the given bibliography above in the French description of the course.
HAR8001 Who can read the book of nature? Artists, scientists and their concepts of nature. (Bloc B – UQAM)
Horaire :
Mercredi 13h00-16h00
(Laval. NB : le séminaire se donne à l’UQAM)
Calendrier des séances / Full program
Lieu :
UQAM, École des sciences de la gestion, R-4215
Inscription :
Étudiant.e.s de l’Université Laval, à votre département, les autres étudiant.e.s, via CREPUQ
Professeure :
Eva Struhal
Description (Description en français suivra)
Artistic trends of the last decades such as environmental art, Bio Art or Land Art underscore that nature remains a dominant theme in contemporary culture. Seen in historical perspective, this is surprising because since the seventeenth-century scientists have been increasingly considered as gatekeepers to an exclusive understanding of nature. According to Panofsky, the Seicento is a watershed leading towards an increased disciplinary compartmentalization of knowledge in general, but in particular between natural philosophy and the arts. Examples of eighteenth-century collaborations between artists and scientists speak of artists’ increased lack of authority as interpreters of nature in relationship to their scientific colleagues.
This seminar will reconstruct the history of the disciplinary separation between art and science and take a close look at collaborations or competitive relationships between artists and scientists in their shared interest in nature. The goal is to arrive at a definition of distinct ontological and theoretical foundations for both disciplines. If art takes place in the realm of visual perception while science renders arcane structures of nature visible through innovative means of visualization, how are the two reconcilable? If nature is generally the domain of scientists, which concepts of nature do artists base their work on? Did and do artists themselves consider science as a discipline privileged in the understanding of nature?
Tracing back the histories of both disciplines, this seminar will open up questions highlighting disciplinary divergence and parallels between art and science from the early modern era to contemporary art.
The seminar will be organized following in two steps:
1. Introduction to recent research in the field of the history of science and its approach to visual representations, the status of images, the relationship between text and image, questions of truth and realism, epistemic images.
2. Reflection on the pertinence and applicability of this body of literature for art historical research.
Each student will research and present a case study of cross-disciplinary exchanges between artists and scientists and their understanding of nature within their own field of expertise.
Description
Les tendances artistiques des dernières décennies, telles que l’art environnemental, le Bio Art et le Land Art mettent en évidence que la nature demeure un thème dominant dans la culture contemporaine. Vu d’une perspective d’historique, ceci est étonnant puisque depuis le dixseptième siècle les scientifiques ont été de plus en plus considérés comme les gardiens d’une compréhension exclusive de la nature. Selon Erwin Panofsky, le Seicento est un tournant décisif qui a mené vers une compartimentalisation disciplinaire accrue du savoir en général, mais surtout entre la philosophie naturelle et les arts. Des exemples de collaborations du dix-huitième siècle entre des artistes et des scientifiques parlent de l’absence croissante d’autorité des artistes comme interprètes de la nature vis-à-vis de leurs collègues scientifiques.
Ce séminaire reconstruira l’histoire de la séparation disciplinaire entre art et science et regardera de près les collaborations et relations compétitives entre artistes et scientifiques dans leur intérêt commun envers la nature. L’objectif est d’arriver à une définition aux fondements ontologiques et théoriques distincts pour chaque discipline. Si l’art prend place dans le royaume de la perception visuelle tandis que la science rend visibles les structures ésotériques de la nature par l’entremise de moyens innovateurs de visualisation, comment sont-ils tous deux réconciliables? Si la nature est en général le domaine des scientifiques, sur quels concepts de la nature est-ce que les artistes basent leur travail? Est-ce que les artistes eux-mêmes considèrent et considéraient la science comme une discipline privilégiée pour la compréhension de la nature?
En retraçant l’histoire des deux disciplines, ce séminaire ouvrira des questions qui soulignent les divergences et parallèles disciplinaires entre art et science depuis les débuts des temps modernes jusqu’à l’époque contemporain.
Objectifs didactiques:
-introduction aux importantes recherches récentes dans le domaine de l’histoire de la science et des questions fondamentales soulevées par elle comme le statut des images vis-à-vis aux savoirs.
-réflexion collective sur la pertinence de cette littérature pour la recherche en histoire de l’art.
Bibliographie
ANKER, S. and NELKIN, D. The Molecular Gaze; Art in the Genetic Age. New York, 2004.
DASTON, L. and PARK, K. Wonders and the Order of Nature, 1150-1750. New York, 1998.
DASTON, L. and VIDAL, F. The Moral Authority of Nature. Chicago, 2004.
DASTON, L. and GALISON, P. Objectivity. Chicago, 2010.
DASTON, L. and LUNBECK, E. (eds.) Histories of Scientific Observation. Chicago, 2011.
DORIAC, F. Le land art—et après: l’émergence d’œuvres géoplastiques. Paris, 2005.
FINDLEN, P. Possessing Nature: Museums, Collecting, and Scientific Culture in Early Modern Italy. Chicago, 1996.
FOUCAULT, M. Les mots et les choses: une archéologie des sciences. Paris, 1990.
FREEDBERG, D. The Eye of the Lynx. Galileo, his Friends, and the Beginnigs of Modern Natural History. Chicago, 2002.
GAL, O. and CHEN-MORRIS, R. Baroque Science. Chicago, 2013.
GROOTENBOER, H. The Rhetoric of Perspective : Realism and Illusionism in Seventeenth-century Dutch Still-life Painting. Chicago, 2005.
KASTNER, J. ed. Land and Environmental Art. London, 2010.
KEMP, M. Seen/Unseen. Art, Science, and Intuition from Leonardo to the Hubble Telescope. Oxford, 2006.
NELSON, R.S. ed. Visuality Before and Beyond the Renaissance. Cambridge, 2000.
PANOFSKY, E. Galileo as a Critic of the Arts. The Hague, 1954.
SCOTT, J. Artists in Labs: Process of Inquiry: Exploring the Interface Between Art and Science. Vienna, 2006.
SHAPIN, S. and SCHAFFER, S. Leviathan and the Air Pump. Hobbes, Boyle, and the Experimental Life. Princeton, 1985.
SMITH, P. H., The Body of the Artisan. Chicago, 2004.
SMITH, P. H. ed. Making Knowledge in Early Modern Europe: Practices, Objects, and Texts, 1400 – 1800. Chicago, 2007.
SMITH, P. H. Ways of Making and Knowing: the Material Culture of Empirical Knowledge. Ann Arbor, Mich. 2014.
HAR915G Entre discours et pratique : histoire et théorie de l’exposition et du commissariat (Bloc B – UQAM)
Horaire :
Jeudi 14h00-17h00
Lieu :
UQAM, Pavillon des Sciences de la gestion, local R-4215 (4e étage)
Inscription :
Étudiant.e.s de l’UQAM, à votre département, les autres étudiant.e.s, via CREPUQ
Professeur :
Barbara Clausen
Description
« Les expositions sont devenues le médium par le biais duquel l’art se fait généralement connaitre. Les expositions composent le principal lieu d’échange dans l’économie politique de l’art, le lieu de construction, de maintien et – parfois – de déconstruction de la signification. Simultanément spectacle, événement sociohistorique et dispositif de structuration, les expositions – et plus spécifiquement les expositions d’art contemporain – établissent et gèrent les significations culturelles de l’art. »
(Reesa Greenberg, Bruce W. Ferguson et Sandy Nairne dans Thinking about Exhibitions, Londres-New York, 1996, p. 2)
Consacré à la théorie, la pratique et la politique de l’exposition et du commissariat d’exposition, ce séminaire donnera l’occasion d’étudier l’histoire ainsi que les transformations qui s’opèrent actuellement en histoire de l’art et en muséologie. Ce séminaire propose une étude de l’exposition comme enjeu artistique et social dans l’art des XXe et XXIe siècles, en considérant l’exposition comme objet d’intérêt commun à des artistes, commissaires et chercheurs. Depuis le XVIIe siècle, le format de l’exposition a englobé et médiatisé la conception de l’art pour le public. Elle est le produit hétérogène de plusieurs perspectives de pouvoir et de vision qui reflètent des discours culturels et des intérêts économiques à travers les œuvres d’art. L’exposition constitue un système de réseaux, de discours et d’institutions; elle peut s’appréhender comme une expression du pouvoir, de l’identité, de l’émancipation, du patrimoine et comme un divertissement.
Le tournant curatorial dans les discours et les pratiques culturels contemporains englobe un champ de savoir qui influence les conditions de présentation de l’art et de la culture. Ce développement a affecté la notion de commissariat, en élargissant sa portée au-delà du fait de sélectionner et montrer pour également inclure l’analyse, la critique, la théorisation, l’éducation, ainsi que l’édition, la mise en scène, et la présentation publique. Ancré dans la mondialisation du champ de l’art et la démocratisation de la figure du « curator », le commissariat d’exposition a acquis une pertinence sociopolitique spécifique au sein de la société contemporaine. L’histoire et le discours de l’exposition se sont développés parallèlement aux différentes formes de pratique artistique. Par conséquent, le dispositif de l’exposition est devenu un espace de production artistique, donnant lieu à un type de pratique artistique (critique institutionnelle) qui a transformé non seulement les modes de création artistique, mais également le commissariat et l’interprétation de l’art. En tant que mise en scène, présentation et espace d’interaction, l’exposition devient un lieu et un médium où s’actualisent les tensions entre institution, commissaire et artiste.
Ce séminaire offrira une réflexion critique sur l’histoire de l’exposition et la notion du curatorial ainsi que les problématiques liées à la mondialisation, aux politiques identitaires et aux nouveaux médias. Parmi ces objectifs sera d’analyser les principales tendances comme la recherche-création et la façon dont les pratiques évènementielles se mettent en scène dans le contexte muséal. Le but sera de présenter un aperçu des courants théoriques et la multiplicité de discours qui se sont mis en place depuis le début des années 1990 et d’interroger les diverses politiques institutionnelles et courants artistiques qui continuent de façonner notre compréhension de l’exposition comme médium, site de production et de communication.
Bibliographie
ALBERRO, A., Institutional Critique, An Anthology of Artists’ Writings, Cambridge (Mass.), MIT Press, 2009.
ALTSHULER, B. (dir.), Salon to Biennial. Exhibitions That Make Art History. Vol. I : 1863-1959, Londres, Phaidon, 2009.
ALTSHULER, B. (dir.), Biennials and Beyond, Exhibitions that Made Art History, 1962-2002, Londres, Phaidon, 2013.
BAWIN, J., L’artiste commissaire : entre posture critique, jeu créatif et valeur ajoutée, Paris : Editions des archives contemporaines, 2014.
BISHOP, C., Artificial Hells Participatory Art and the Politics of Spectatorship, Londres, VERTIGO, 2012.
BISHOP, C., Radical Museology: Or What’s Contemporary in Museums of Contemporary Art?, Cologne, Walther Koenig, 2014.
BELTING, H., The Global Contemporary and the Rise of New Art Worlds, Cambridge (Mass.), MIT Press, 2013.
BÉNICHOU, A., « Des oeuvres en forme de musées, de collections et d’archives. », Un imaginaire institutionnel, Musées, collections et archives d’artistes, coll. « Esthétiques », Paris, L’Harmattan, 2013.
BISMARCK, von B., et.al., Cultures of the Curatorial I, II, III, Berlin New York, Sternberg Press, 2012 – 2016
BOURDIEU, P. et A.DARDEL, L’amour de l’art : Les musées et leur public, Paris, Les Éditions de Minuit, coll. « Le sens commun », 1966.
BRONSON, A. A. et P. GALE (dir.), Museums by Artists, Toronto, Toronto Art Metropole, 1983.
COPELAND, M. (dir.), Chorégraphier l’exposition. Un livre de Mathieu Copeland, Dijon, Les presses du réel, 2013.
CRIMP, D., On the Museum’s Ruins, Cambridge (Massachusetts), MIT Press, 1993.
DAVALLON, J., L’exposition à l’oeuvre. Stratégies de communication et médiation symbolique, Paris, L’Harmattan, coll. « Communication », 1999.
DULGUEROVA, E., Usages et utopies : l’exposition dans l’avant-garde russe prérévolutionnaire (1900-1916), Dijon, Les Presses du réel, 2015.
ENWEZOR, O. (dir.), Documenta 11_Plattform5: Exhibition (catalogue d’exposition), Ostfildern, Hatje Cantz, 2002.
FILIPOVIC, E., M. VAN HAL & S. OVSTEBO (dir.), The Biennial Reader, Ostfildern, Hatje Cantz, 2010.
FOUCAULT, M., « Des espaces autres », dans Architecture, Mouvement, Continuité, no. 5, octobre 1984, p.46-49.
GLICENSTEIN, J., L’invention du curateur Mutations dans l’art contemporain, Paris, PUF, 2015.
GRAHAM, B. et S. COOK, Rethinking Curating : Art After New Media Cambridge (Mass.), MIT Press, 2010.
GREENBERG, R., B.FERGUSON et S. NAIRNE, Thinking About Exhibitions, Londres et New York, Routledge, 1996.
HANTELMANN, von D., How To Do Things With Art, Zurich, Dijon, JRP Ringier, Presses du Réel, 2010.
JONES, A. et HEATHFIELD, A., Perform, Repeat, Record, Live Art in History, Bristol, UK Chicago, US, Intellect Books, 2012.
KRAUSS, R., ‘The Cultural Logic of the Late Capitalist Museum’, October, no.54, 1990, 3-17
MALRAUX, A., Le Musée Imaginaire, Paris, Folio Essais, 2003 [1965].
MCSHINE, K., The museum as muse: artists reflect, New York, Museum of Modern Art, 1999.
MOLESWORTH, H., « How to Install Art as a Feminist », dans BUTLER, Cornelia et SCHWARTZ, Alexandra (éd.), Women Artists at the Museum of Modern Art, New York, Museum of Modern Art, 2010, p. 498-513.
MIWON, K., One Place after another : site-specific art and locational identity, Cambridge (Mass.), MIT Press, 2002.
O’NEILL, P. et WILSON, M. (eds.), Curating and the Eductional Turn, Londres, Open Editions, 2010.
O’DOHERTY, B., White Cube. L’espace d’exposition et son idéologie, Zürich, JRP Ringier, 2008.
OBRIST, H. U., A Brief History of Curating, Zürich, Dijon, JRP Ringier / Les Presses du réel, 2008.
POINSOT, J.M., Quand l’oeuvre a lieu : L’art exposé et ses récits autorisés, Nouvelle édition revue et augmentée, Dijon, Les Presses du réel, 2008 [1998].
PUTMAN, J., Le musée à l’oeuvre. Le musée comme médium dans l’art contemporain, Paris / Londres, Thames & Hudson, 2002.
SMITH, T., Thinking Contemporary Curating, New York, Independant Curators International, 2012.
STANISZEWSKI, M.A., The Power of Display: A History of Exhibition Installations at Museum of Modern Art, Cambridge (Mass.), MIT Press, 1998.
WITCOMB, A., Re-Imagining the Museum – Beyond the Mausoleum, New York / Londres, Routledge, 2003.
Automne 2016
HAR7001 Problématiques actuelles de histoire de l’art : Séminaire intégrateur -Art history and its methodologies II: part 1 of 2 (Block A – UdeM)
Schedule:
Tuesday 9:00-12:00
Registration:
Fall 2016: Université de Montréal students, via your department ; all other sites, via CREPUQ
Winter 2017: Concordia University students, via your department ; all other sites, via CREPUQ
Site:
Fall 2016: Université de Montréal, Pavillon Lionel-Groulx, local C-2117
Winter 2017: Concordia University, EV 3.760
Professors:
Denis Ribouillault / Steven Stowell
Description
The principal objectives of the séminaire intégrateur, as it has been conceptualized in recent years, are to integrate new students into the doctoral program and to aid them in the development of their principal research project. This year, the seminar proposes to meet these objectives in two ways: 1) through the study and critical analysis of key texts used and/or written by art historians that aim to conceptualize the relationships between art objects and the cultures and societies that produced them; 2) through presentations by students on their specialized research fields and the cultural, sociological and/or anthropological problems they are connected to. These presentations will then be the object of seminar discussions.
Through reflection on texts that have played a central role in the evolution of the discipline in recent decades, participants in the seminar will be encouraged to enlarge and refine their comprehension of the theoretical questions that nourish writings in art history. In so doing, students beginning their doctoral studies can at the same time gauge the diversity of issues raised in recent art historical research, whilst also gaining an appreciation for the specific qualities that distinguish a doctoral dissertation from a master’s thesis.
In the first weeks of the seminar, selected texts questioning the relationships between art, culture and society will be presented by several professors in the inter-university program. Rather than concentrating on questions of “methodology,” the emphasis will be placed on the manner in which theories and philosophies of culture pose questions to the history of art and reorient its evolution.
Through these guest presentations, the seminar participants will be able to converse with different members of our academic community, the diversity of which represents one of the richest and most essential resources of our program. Whilst encouraging students to engage with questions that are of particular importance to recent art historical writings, the first part of the seminar will also allow students to explore issues that they may be less familiar with, but which could nonetheless enrich their personal approaches to the discipline.
The second part of the seminar will be dedicated to student presentations on texts chosen by them based on their pertinence to the theoretical development of their research projects. These texts, to be read by all members of the seminar, will then be the object of discussions and critical reflections that will concern both the issues raised by the text itself, as well as issues and ideas raised by the student’s current research project.
NB: The following bibliography is provisional and incomplete as it does not include the readings that will be proposed by guest visitors nor those chosen by the students themselves.
Bibliography
BAXANDALL, Michael. Patterns of Intention: On the Historical Explanation of Pictures. New Haven: Yale University Press, 1985.
BELTING, Hans. An Anthropology of Images: Picture, Medium, Body. Translated by Thomas Dunlap. Princeton: Princeton University Press, 2011.
BENJAMIN, Walter. L’œuvre d’art à l’époque de sa reproductibilité technique. Folio Plus : 2008 [1939].
BOURDIEU, Pierre. Outline of a Theory of Practice. Translated by Richard Nice. Cambridge: Cambridge University Press, 1977.
COQUET, Michèle, DERLON, Brigitte et JEUDI-BALLINI, Monique (dir.), Les Cultures à l’œuvre. Rencontres en art. Paris: Biro éditeur – éd. de la Maison des sciences de l’Homme, 2005.
DESCOLA, Philippe. Par delà nature et culture, Paris : Gallimard, 2005.
DUBUC, Élise et TURGEON, Laurier, dir., Musées et Premières nations, 2004, p°°7-18 [en ligne : http://id.erudit.org/revue/as/2004/v28/n2/010605ar.pdf?origin=publication_detail].
FABRE, Daniel, dir. Domestiquer l’histoire. Ethnologie des monuments historiques, Paris : Maison des Sciences de l’Homme, 2000.
GELL, Alfred. Art and Agency: An Anthropological Theory. Oxford: Oxford University Press, 1998.
GEERTZ, Clifford. The Interpretation of Cultures: Selected Essays. New York: Basic books, 1973.
HEINICH, Nathalie. La sociologie de l’art. Paris : La Découverte, 2001.
Histoire de l’art et anthropologie, actes du colloque international, INHA / Musée du Quai Branly, Paris, 2009, accessible en ligne: http://actesbranly.revues.org/60
Malaise dans la culture. L’Ethnographie, la littérature et l’art au XXe siècle, Paris, École nationale supérieure des beaux-arts, 1996.
SERROY, Jean et LIPOVETSKY, Gilles. L’esthétisation du monde. Paris : Gallimard, 2013.
TURGEON, Laurier, Patrimoines métissés. Contextes coloniaux et postcoloniaux. Québec : Presses de l’université Laval / Paris: éd. de la Maison des sciences de l’Homme, 2003.
HAR915F La satire visuelle et l’indiscipline de l’histoire de l’art (Block B – UQAM)
Schedule:
Starts Wednesday 21st following this schedule:
– From 9AM to 1PM, September 21 and 28; and October 5, 12 and 19
– From 9AM to 4PM October 26
– From 9AM to 1PM, November 2, 9, 16 and 23
– No seminar November 30
– Last seminar December 7
Site:
UQAM, Pavillon Judith-Jasmin, local J-R535
Registration:
UQAM students, via your department ; all other sites, via CREPUQ
Professor:
Dominic Hardy
Description
The idea of visual satire is more and more common as a term that allows us to group together and analyze diverse visual practices, separated by time and geography. The term is still looking for a definition that would account for what pertains specifically to the visual arts, even as it negotiates a place for the visual within a field (the satiric) that has chiefly attracted attention on the basis of its textual and literary forms. The satiric can be found throughout history in a wide range of cultural practices that attest above all to social behaviours. An enquiry that would have as its goal the formulation of a definition soon has to come to terms with a larger problematic. To what extent is art history modified (or not) by the study of the satiric; to what extent is it in turn a field of enquiry for those behaviours which, one might say, constantly renew the recourse to analogy, to allegory, to those duplications that have put into play the full register of the figurative in the visual arts, whether we thing of an image that is drawn or engraved, of an installation, a public art project, a performance…
This seminar will therefore be interested in those artistic practices, which, even as they deform and question visual representation, pose certain challenges to art history. This examination can already be conceived from the standpoint of insights we might have into practices that already well-historicised, if only for the arts that are associated with (or that have problematized) the western tradition. Easily gathered into the perimeter of the satiric, these practices have been named caricature, irony, parody, carnavalesque, grotesque and much else besides. With roots that seem to stretch in Antiquity, these practices enjoy a visibility that chiefly follows the evolution of the metahistorical awareness that we have of figurative representation, notably since the Renaissance. The circulation of the satiric image might be tied to behaviours that work at the geopolitical structures of western culture and the changing status of the work of art. Taking on the discourses on individual and collective identity, these images participate in a parallel discursivity that watches and infiltrates the sites, the ambitions and the desires of the fine arts, often in order to attach them to other regimes (notably the political and the economic), with the assistance of strategies that lay an emphasis on humour, laughter, the topsy-turvy, the ridiculous. If these largely virtuoso satiric modes have most often been associated with mass produced print media, we can also find them at the heart of the museological ambitions of the artistic sphere (the worlds of art, if we like), upsetting for over a century now the disciplinary parameters of art history, in order to render it undisciplined.
Bibliography
BAKHTINE, Mikhaïl, « Composition et genre », La Poétique de Dostoïevski, Paris, Seuil, 1998, p. 161-191.
BAKHTINE, Mikhaïl, « Introduction », L’œuvre de François Rabelais et la culture populaire au Moyen Âge et sous la Renaissance, Paris, Gallimard, 1970, p. 9-67.
BAUDELAIRE, Charles, Critique d’art suivi de Critique musicale, Paris, Gallimard, 1992.
« De l’essence du rire », p. 185-203; « Quelques caricaturistes français », p. 204-223.
« Quelques caricaturistes étrangers », p. 224-234; « Notices, notes et variantes », p. 571-595.
BERGSON, Henri, Le rire. Essai sur la signification du comique, Paris, Flammarion, 2013 [1900].
BARIDON, Laurent et Martial GUÉDRIN, L’art et l’histoire de la caricature, Paris, Citadelles et Mazenod, 2006.
COOK, Albert, « The « Meta-Irony » of Marcel Duchamp », The Journal of Aesthetics and Art Criticism, vol. 44, no 3 (printemps) 1986, p. 263-270.
DELPORTE, Christian, « L’image, pour comprendre le XXe siècle », Images et politique en France au XXe siècle, Paris, Nouveau Monde, 2006, p. 7-18.
DUVAL, Sophie et Marc MARTINEZ, La satire, Paris, Armand Colin, 2000.
DUVAL, Sophie et Jean-Pierre SAÏDAH (sous la dir.), Mauvais genre. La satire littéraire moderne, Pressac, Presses universitaires de Bordeaux, Coll. « Modernités no 27», 2008.
FREUD, Sigmund 1856-1939, Le mot d’esprit et sa relation à l’inconscient, Paris Gallimard, 1992.
FRYE, Northrop, « Le mythos de l’hiver : ironie et satire », Anatomie de la critique, trad. par Guy Durand, Paris, Gallimard, 1969, p. 272-291.
GRETTON, Thomas, « Posada and the « Popular’’: Commodities and Social Constructs in Mexico before the Revolution », Oxford Art Journal, vol. 17, no 2, 1994, p. 32-47.
GUIRLINGER, Lucien, De l’ironie à l’humour, un parcours philosophique, Nantes Pleins feux, 1999.
HARDY, Dominic, Annie GÉRIN et Jean-Philippe UZEL (sous la dir.), « Humour in the Visual Arts and Visual Culture: Practices, Theories, and Histories / L’humour dans les arts et la culture visuels : pratiques, théories et histoire », Revue d’art canadienne / Canadian Art Review (RACAR), Vol. 37, no1, 2012.
HIGGIE, Jennifer, The artist’s joke, Londres, Whitechapel Art Gallery, 2007.
LE MEN, Ségolène (sous la dir.), L’art de la caricature, Paris, Presses universitaires de Paris 10, 2011.
MALBERT, Roger, « Exaggeration and Degradation : Grotesque Humour in Contemporary Art », in Carnivalesque sous la dir. de HYMAN, Timothy et Roger MALBERT, Catalogue de l’exposition au Brighton Museum and Art Gallery du 6 mai au 2 juillet 2000, Brighton, p. 75-76, 79-80, 84, 88, 90, 93-94, 96-97.
MORE, Nicholas D., «Nietzsche’s Last Laugh : Ecce Homo as Satire », Philosophy and Literature, vol. 35, no1, avril 2011, p. 1-15.
PORTERFIELD, Todd (sous la dir.), The Efflorescence of Caricature, 1759-1838, Farnham (G.-B.) et Burlington (É.-U.), Ashgate, 2011.
QUINTERO, Ruben, A companion to satire: ancient and modern, Oxford, Wiley-Blackwell, 2011.
RYAN, Allan J., « Postmodern Parody : A Political Strategy in Contemporary Canadian Native Art », Art Journal, vol. 51, no 3 (automne), 1992, p. 59-65. En ligne : http://www.jstor.org/stable/777349
RYAN, Allan J., The Trickster shift humour and irony in contemporary native art, Vancouver University of British Columbia Press; Seattle University of Washington Press, 1999.
WHITE, Hayden, « Burckhardt : Historical Realism as Satire », Metahistory. The Historical Imagination in Nineteenth-Century Europe, Baltimore et Londres, The Johns Hopkins University Press, 1973, p. 230-264.
ARTH804 Readings in Continental Aesthetics (Block B – Concordia)
Schedule:
Thursday 13:00-16:00
Site:
Concordia University, EV 3.760
Registration:
Concordia students, via your department ; all other sites, via CREPUQ
Professor:
Kristina Huneault
Description
Writing about art often assumes familiarity with a broad range of philosophers, but art history students have comparatively few opportunities to encounter such texts first hand. This reading-based course will explore a broad spectrum of writings by major figures in continental aesthetics, from Kant to Rancière. The aim is to develop a familiarity with philosophers who have been particularly influential on understandings of art and experience. Following the lead of Clive Cazeaux in the Continental Aesthetics Reader, the class engages less with questions about the nature of art and beauty than with issues about the relations between ‘subjective experience and the condition of belonging to the world’ (Cazeaux, xvi). Student presentations will contribute to the development of an introductory context for each reading.
By participating in this course, you will have the opportunity to:
– Gain a broad-ranging frame of reference for the philosophical underpinnings of art writing.
– Encounter philosophical texts first-hand, rather than through secondary explanations.
– Develop techniques of close reading.
– Gain experience positioning your own voice in relation to theory.
Please note that the language of instruction for this seminar is English but that students are welcome to contribute to discussion in either language.
Bibliography
CAZEAUX, Clive. The Continental Aesthetics Reader. 2nd edition. New York: Routledge 2011.
The Continental Aesthetic Reader is an anthology of philosophical texts. Because the class centres on close reading and discussion of the texts, all participants are asked to use this book as a common point of reference for page numbers, but all the texts are also available in French to supplement the textbook.
The specific selections of texts will be made collectively on the first day of class. Examples of readings that have been chosen in previous years include:
ADORNO, Theodor. Extracts from Minima Moralia : Reflections from Damaged Life. 1951.
BADIOU, Alain. “Art and Philosophy.” Handbook of Inaesthetics. 1998.
DELEUZE, Gilles and GUATTARI, Felix. “Percept, Affect and Concept.’ What is Philosophy? 1991.
DERRIDA, Jacques. “The Parergon.” The Truth in Painting. 1978.
FREUD, Sigmund. “The Unconscious.” 1915.
GADAMER, Hans-George. “Aesthetics and Hermeneutics.” Philosophical Hermeneutics. 1964.
HEGEL, G.W.F. Extracts from Aesthetics: Lectures on Fine Art. 1835.
HEIDEGGER, Martin. The Origin of the Work of Art. 1950.
IRIGARAY, Luce. “Cosi fan tutti.” This Sex Which is Not One. 1977.
KANT, Immanuel. Extracts from “Analytic of Aesthetic Judgment’ and ‘Dialectic of Aesthetic Judgement’, Critique of Judgment. 1790.
LACAN, Jacques. ‘Of the Gaze as Objet Petit a’. Four Fundamental Concepts of Psychoanalysis. 1973.
MARX, Karl. “Private Property and Communism.” Economic and Philosophic Manuscripts 1844.
MERLEAU-PONTY, Maurice. “The Intertwining — The Chiasm.” The Visible and the Invisible. 1964.
NIETZSCHE, Friedrich. On Truth and Lie in an Extra-Moral Sense. 1873.
RANCIÈRE, Jacques. “Aesthetics as Politics.” Aesthetics and its Discontents. 2004.
Hiver 2017
ARTH810 Problématiques actuelles de histoire de l’art : Séminaire intégrateur – Art history and its methodologies II: part 2 of 2 (Block A – Concordia)
Schedule:
Tuesday 9:00-12:00
Registration:
Fall 2016: Université de Montréal students, via your department ; all other sites, via CREPUQ
Winter 2017: Concordia University students, via your department ; all other sites, via CREPUQ
Site:
Fall 2016: Université de Montréal, Pavillon Lionel-Groulx, local C-2117
Winter 2017: Concordia University, EV 3.760
Professors:
Denis Ribouillault / Steven Stowell
Description
The principal objectives of the séminaire intégrateur, as it has been conceptualized in recent years, are to integrate new students into the doctoral program and to aid them in the development of their principal research project. This year, the seminar proposes to meet these objectives in two ways: 1) through the study and critical analysis of key texts used and/or written by art historians that aim to conceptualize the relationships between art objects and the cultures and societies that produced them; 2) through presentations by students on their specialized research fields and the cultural, sociological and/or anthropological problems they are connected to. These presentations will then be the object of seminar discussions.
Through reflection on texts that have played a central role in the evolution of the discipline in recent decades, participants in the seminar will be encouraged to enlarge and refine their comprehension of the theoretical questions that nourish writings in art history. In so doing, students beginning their doctoral studies can at the same time gauge the diversity of issues raised in recent art historical research, whilst also gaining an appreciation for the specific qualities that distinguish a doctoral dissertation from a master’s thesis.
In the first weeks of the seminar, selected texts questioning the relationships between art, culture and society will be presented by several professors in the inter-university program. Rather than concentrating on questions of “methodology,” the emphasis will be placed on the manner in which theories and philosophies of culture pose questions to the history of art and reorient its evolution.
Through these guest presentations, the seminar participants will be able to converse with different members of our academic community, the diversity of which represents one of the richest and most essential resources of our program. Whilst encouraging students to engage with questions that are of particular importance to recent art historical writings, the first part of the seminar will also allow students to explore issues that they may be less familiar with, but which could nonetheless enrich their personal approaches to the discipline.
The second part of the seminar will be dedicated to student presentations on texts chosen by them based on their pertinence to the theoretical development of their research projects. These texts, to be read by all members of the seminar, will then be the object of discussions and critical reflections that will concern both the issues raised by the text itself, as well as issues and ideas raised by the student’s current research project.
NB: The following bibliography is provisional and incomplete as it does not include the readings that will be proposed by guest visitors nor those chosen by the students themselves.
Bibliography
BAXANDALL, Michael. Patterns of Intention: On the Historical Explanation of Pictures. New Haven: Yale University Press, 1985.
BELTING, Hans. An Anthropology of Images: Picture, Medium, Body. Translated by Thomas Dunlap. Princeton: Princeton University Press, 2011.
BENJAMIN, Walter. L’œuvre d’art à l’époque de sa reproductibilité technique. Folio Plus : 2008 [1939].
BOURDIEU, Pierre. Outline of a Theory of Practice. Translated by Richard Nice. Cambridge: Cambridge University Press, 1977.
COQUET, Michèle, DERLON, Brigitte et JEUDI-BALLINI, Monique (dir.), Les Cultures à l’œuvre. Rencontres en art. Paris: Biro éditeur – éd. de la Maison des sciences de l’Homme, 2005.
DESCOLA, Philippe. Par delà nature et culture, Paris : Gallimard, 2005.
DUBUC, Élise et TURGEON, Laurier, dir., Musées et Premières nations, 2004, p°°7-18 [en ligne : http://id.erudit.org/revue/as/2004/v28/n2/010605ar.pdf?origin=publication_detail].
FABRE, Daniel, dir. Domestiquer l’histoire. Ethnologie des monuments historiques, Paris : Maison des Sciences de l’Homme, 2000.
GELL, Alfred. Art and Agency: An Anthropological Theory. Oxford: Oxford University Press, 1998.
GEERTZ, Clifford. The Interpretation of Cultures: Selected Essays. New York: Basic books, 1973.
HEINICH, Nathalie. La sociologie de l’art. Paris : La Découverte, 2001.
Histoire de l’art et anthropologie, actes du colloque international, INHA / Musée du Quai Branly, Paris, 2009, accessible en ligne: http://actesbranly.revues.org/60
Malaise dans la culture. L’Ethnographie, la littérature et l’art au XXe siècle, Paris, École nationale supérieure des beaux-arts, 1996.
SERROY, Jean et LIPOVETSKY, Gilles. L’esthétisation du monde. Paris : Gallimard, 2013.
TURGEON, Laurier, Patrimoines métissés. Contextes coloniaux et postcoloniaux. Québec : Presses de l’université Laval / Paris: éd. de la Maison des sciences de l’Homme, 2003.
HAR7005 Publics, sites, prescripteurs (Block B – UdeM)
Schedule:
Thursday 13:00-16:00
Site:
Université de Montréal, Pavillon Lionel-Groulx, local C-2117
Registration:
Université de Montréal students, via your department ; all other sites, via CREPUQ
Professor:
Suzanne Paquet
Description
Aux questions « Que faut-il pour qu’il y ait art? » (de Duve 1977, Danto 1981), ou « Quand y a-t-il art? » (Goodman 1992, Heinich & Shapiro 2012), les réponses sont devenues multiples, sans que les prescripteurs institutionnels ne soient fragilisés pour autant. Simplement, les positions des acteurs et les processus d’accession à la notoriété sont dorénavant plus fluctuants, les institutions pouvant ou devant éventuellement se plier à de nouvelles conventions nées des interactions des acteurs du monde de l’art ou des explorations formelles et politiques des artistes (Becker 1988).
Ce séminaire proposera d’abord un regard historique sur les ensembles d’acteurs et de sites par qui et où peut advenir ce que Heinich & Shapiro ont appelé « artification », conçus comme autant de médiations par lesquelles certains objets acquièrent et conservent le statut (et la valeur) d’œuvre d’art. Nous nous pencherons ensuite, et pour la plus grande partie de la session, sur la notion de « public(s) », qui suscite une bonne dose d’attention lorsque la réflexion sur l’art se fait politique, mais demeure toujours difficile à étudier. On constate depuis quelques années, chez les chercheurs en études des arts et plus généralement en sciences humaines, un grand intérêt pour l’espace public et les formes qu’il prend. Mais se préoccupe-t-on suffisamment des publics eux-mêmes et de leurs actes qui ont, précisément, le pouvoir de faire exister l’espace public? Nous tenterons de comprendre par quelles voies approcher cette notion, comment définir cette entité polysémique et polymorphe, de quelles manières on peut l’étudier. Nous vérifierons s’il existe (ou non) un pouvoir prescripteur des publics. Nous nous demanderons aussi si ce rôle se renouvelle ou se transforme avec les technologies de l’information et de la communication et l’arrivée de publics amateurs, des publics producteurs dont les actions pourraient s’inscrire, en réciprocité avec celles des acteurs et des sites traditionnels des mondes de l’art, au sein même des trajets d’instauration des œuvres (Latour 2012). Mettant à l’épreuve la possibilité d’un élargissement de la réflexion à partir de cas précis, nous procéderons par l’étude attentive de trajectoires singulières d’œuvres, où la part du public pourrait être rendue tangible ou visible. Chacun-e des étudiant-e-s pourra choisir un cas spécifique d’observation, à même le corpus examiné dans sa thèse et l’analyser à la lumière des ouvertures théoriques et méthodologiques offertes par le séminaire.
Bibliography
AKRICH Madeleine, CALLON Michel, LATOUR Bruno (2006). Sociologie de la traduction. Textes fondateurs, Paris : Presses de l’école des mines de Paris.
ALLIEZ Éric & Peter OSBORNE (dir.) (2013). Spheres of Action : Art and Politics, Cambridge : MIT Press.
ANCEL, Pascale & Alain PESSIN (dir.) (2004). Les non-publics : les arts en réception, Paris : l’Harmattan.
BECKER, Howard S. (2009). Comment parler de la société. Artistes, écrivains, chercheurs et représentations sociales, Paris : La découverte.
BECKER, Howard S. (1988). Les mondes de l’art, Paris : Flammarion.
BEER, David (2013). Popular culture and New Media. The Politics of Circulation, New York : Palgrave MacMillan.
BISHOP, Claire (2012). Artificial Hells. Participatory Art and the Politics of Spectatorship, New York : Verso.
BOURDIEU, Pierre (1979). La distinction. Critique sociale du jugement, Paris : Minuit.
DACHEUX, Éric (dir.) (2008). L’espace public, Paris : CNRS Éditions.
DANTO, Arthur (1981). The Transfiguration of the Commonplace, Cambridge, Harvard University Press.
de DUVE Thierry (1977). « À propos du readymade », Parachute, no 7, été, p. 19-22.
DEWEY, John (2005 [1927]). Le public et ses problèmes, Paris : Gallimard « Folio ».
DOMINGUEZ RUBIO, Fernando & Elizabeth B. SILVA (2013). « Materials in the Field: Objet-trajectories and Objet Positions in the Field of Contemporary Art », Cultural Sociology, 7(2), p. 161-178.
FLICHY, Patrice (2010). Le sacre de L’amateur. Sociologie des passions ordinaires à l’ère numérique, Paris : Seuil.
GOODMAN, Nelson (1992 [1978]). Manière de faire des mondes, Paris : Gallimard.
GRAU, Oliver & Thomas VEIGL (dir.) (2013). Imagery in the 21st Century, Cambridge : MIT Press.
GROYS, Boris (2010). Going Public, Berlin : Sternberg Press / E-Flux.
HEINICH, Nathalie & Roberta SHAPIRO (2012). De l’artification : enquête sur le passage à l’art, Paris : Éditions de l’École des hautes études en sciences sociales.
HENNION, Antoine (2013). « D’une sociologie de la médiation à une pragmatique des attachements », SociologieS Théories et recherches. En ligne : http://sociologies.revues.org /4353
Inter Art actuel , n. 120 « Micro-intervention » (2015). Sous la direction de Luc Lévesque et Patrice Loubier, printemps.
LATOUR, Bruno (2012). Enquête sur les modes d’existence. Une anthropologie des modernes, Paris : La Découverte.
LATOUR, Bruno (2006). Changer de société, refaire de la sociologie, Paris : La découverte.
LIPPMAN, Walter (2008 [1925]). Le public fantôme, préface de B. Latour, Paris : Démopolis.
RANCIÈRE, Jacques (2008). Le spectateur émancipé, Paris : La Fabrique.
SHUSTERMAN, Richard (1992). L’art à l’état vif. La pensée pragmatiste et l’esthétique populaire, Paris : Minuit.
HAR8001 De l’internationalisation de l’art à la mondialisation : le phénomène transnational aux XIXe et XXe siècles. (Block B – UQAM)
Schedule:
Friday 14:00-17:00
Site:
UQAM, Pavillon Judith-Jasmin, local J-R535
Registration:
Université Laval students, via your department ; all other sites, via CREPUQ
Professor:
Françoise Lucbert
Description
Le présent séminaire s’inscrit dans le contexte d’un projet de recherches en cours sur une série d’expositions cubistes et néo-cubistes organisées en Europe au début des années 1920, sous l’égide de l’association portant le nom de « La Section d’Or ». Pour donner une ampleur conceptuelle à un problème de nature essentiellement historique, il s’agira de s’interroger sur le phénomène d’internationalisation de l’art sensible depuis le milieu du XIXe siècle et encore extrêmement présent aujourd’hui. Ce thème nourrit la pratique actuelle de l’histoire de l’art, en particulier grâce aux apports récents de la Global History et à l’aune de plusieurs travaux sur les liens entre art et mondialisation (notamment ELKINS et al. 2010).
Partant d’une étude de cas ciblée, la réflexion sera pertinente pour aborder de nombreux autres cas d’étude. Il faudra d’abord s’attacher aux perspectives croisées qu’il convient d’esquisser entre les différents pays immédiatement concernés par l’étude : France, Pays-Bas, Belgique, Italie, Suisse. Il sera également nécessaire d’envisager une saisie plus large, qui touchera des pays indirectement touchés (Allemagne, Grande-Bretagne, États-Unis), sans négliger la réception de courants artistiques modernes outre Occident – comme celle examinant, par exemple, les résonnances du cubisme en Asie (MAISON DES ARTS DU JAPON 2007). Sur un autre plan, l’approche transnationale se révèlera précieuse pour conceptualiser le cadre intrinsèquement cosmopolite du groupe d’artistes à l’étude. Ce type d’approche sera d’ailleurs utile pour comprendre les visées de plusieurs autres groupes d’artistes actifs pendant la première moitié du XXe siècle, des futuristes à COBRA en passant par Dada. Des travaux récents sur l’idée d’internationalisme (IRIYE 1997; BROCKINGTON 2009; LAQUA 2011) et sur le concept de transnationalisme (IRIYE et SAUNIER 2009; SAUNIER 2013) aideront à définir le type de cosmopolitisme (CHEAH et ROBBINS 1998) en jeu. De plus, certains outils provenant de la science géographique peuvent servir à cartographier celui-ci, voire à le quantifier avec des instruments de mesure appropriés (JOYEUX-PRUNEL 2009; ID. 2010). Plus généralement, le séminaire offrira une série de pistes méthodologiques et théoriques pour mieux comprendre le phénomène transnational aux XIXe et XXe siècles.
Bibliography
BROCKINGTON Grace (dir.), Internationalism and the Arts, Oxford etc., Peter Lang, 2009.
DEBRAY Cécile et LUCBERT Françoise (dir.), La Section d’or (1912-1920-1925), cat. exp., Musées de Châteauroux, 21 septembre-3 décembre 2000 ; Musée Fabre, Montpellier, 15 décembre 2000-18 mars 2001. Paris, Cercle d’art, 2000.
DEBRAY Cécile et LUCBERT Françoise, The Golden Section: French Cubism, cat. exp., Hong Kong Museum of Art, 04 avril 2001-16 mai 2001. Hong Kong, Leisure & Cultural Services Department, 2001.
ELKINS James, VALIAVICHARSKA Zhivka et KIM Alice, Art and Globalization, Penn State University Press, 2010.
IRIYE Arika, Cultural Internationalism and World Order, Baltimore et Londres, Johns Hopkins University Press, 1997.
IRIYE Arika et SAUNIER Pierre-Yves (dir.), The Palgrave Dictionary of Transnational History from the mid-19th Century to the Present Day, Basingstoke et New York, Palgrave Macmillan, 2009.
JOYEUX-PRUNEL Béatrice, « Nul n’est prophète en son pays » ? L’internationalisation de la peinture avant-gardiste parisienne (1855-1914), Paris, Musée d’Orsay / Nicolas Chaudun, 2009.
JOYEUX-PRUNEL Béatrice (dir.), avec la collaboration de Luc SIGALO-SANTOS, L’Art et la Mesure. Histoire de l’art et méthodes quantitatives : sources, outils, bonnes pratiques, Paris, Éditions Rue d’Ulm, 2010.
KOSTKA Alexandre et LUCBERT Françoise (dir.), Distanz und Aneignung. Relations artistiques entre la France et l’Allemagne 1870-1940, Berlin, Akademie Verlag, coll. « Passagen/Passages », Paris, Centre allemand d’histoire de l’art, 2004.
LAQUA Daniel, The Age of Internationalism and Belgium, 1880–1930: Peace, Progress and Prestige, Manchester, Manchester University Press, 2013.
LAQUA Daniel (dir.), Internationalism Reconfigured: Transnational Ideas and Movements Between the World Wars, Londres, I.B. Tauris, 2011.
LUCBERT Françoise, « L’amitié artistique franco-russe, le cas exemplaire de la Section d’or », cat. exp., Saint-Pétersbourg, Musée national russe, 28 avril-30 juillet 2003 ; Wuppertal, Von der Heydt-Museum, 10 août-26 octobre 2003 ; Bordeaux, Musée des Beaux-Arts, 7 novembre 2003-1er février 2004. Moscou, Palace Editions, p. 24-27.
SAUNIER Pierre-Yves, Transnational History, Basingstoke et New York, Palgrave Macmillan, 2013.
TUIJN Marguerite, Mon cher ami… Lieber Does… Theo van Doesburg en de praktijk van de internationale avant-garde, thèse de doctorat, Université d’Amsterdam, 2003.
TUIJN Marguerite, « Archipenko and Theo van Doesburg », dans Deborah GOLDBERG et Alexandra KEISER (dir.), Alexander Archipenko Revisited: An International Perspective. Proceedings form the Archipenko Symposium (Cooper Union, New York City, 17 septembre 2005), Bearsville, 2008.